Кусочек прошлого
за стеклом
Книжно-иллюстративная выставка
к Международному дню музеев
Международный день музеев — важный праздник и настоящий культурный феномен. Он не только напоминает жителям разных стран о необходимости любить и знать свою культуру и историю, но и позволяет наладить диалог между разными народами в масштабах целого мира. Сохранение опыта, обмен знаниями, развитие взаимопонимания и взаимоуважения между представителями разных культур — ключевые задачи этого праздника.
Ежегодно Международный день музеев отмечают 18 мая.
В Ус­та­ве Ме­ж­ду­народного совета музеев понятие музей оп­ре­де­ля­ет­ся как «по­сто­ян­ное не­ком­мер­че­ское уч­ре­ж­де­ние, при­зван­ное слу­жить об­ще­ст­ву и спо­соб­ст­во­вать его раз­ви­тию, дос­туп­ное ши­ро­кой пуб­ли­ке, за­ни­маю­щее­ся при­об­ре­те­ни­ем, хра­не­ни­ем, ис­сле­до­ва­ни­ем, по­пу­ля­ри­за­ци­ей и экс­по­ни­ро­ва­ни­ем ма­те­ри­аль­ных сви­де­тельств о че­ло­ве­ке и сре­де его оби­та­ния…».
С момента своего возникновения музеи выступают хранителями истории человечества, его ценностей и культурного наследия. А нужно ли прошлое современным людям?
Ведь всё необходимое для жизни нам дает технический прогресс.
На этот вопрос много лет назад разными словами ответили классики:

"Тот, кто не знает прошлого, не знает ни настоящего, ни будущего, ни самого себя"
Франсуа-Мари Аруэ Вольтер
"Народ, не знающий своего прошлого, не имеет будущего"
М. В. Ломоносов
"Сегодня, не имеющее вчера, не имеет завтра"
М. И. Цветаева
Мир существует уже сотни веков, среди которых человек видит только единственный, отведенный ему миг длиною в жизнь. Но музеи способны рассказать ему о том, что занимало умы и сердца его предков. Это особенное место, где можно ощутить масштабы мироздания и почувствовать себя частичкой бесконечной истории планеты. Кроме того, все больше музеев по всему миру берут на вооружение новые технологии. Дополненная реальность, интерактивность и виртуальное погружение - то, о чем писали фантасты сто лет назад, сегодня - привычная сторона нашей жизни, к которой можно прикоснуться в том числе и в музейном пространстве.
История праздника
Своим появлением праздник обязан Международному совету музеев (International Council of Museums), всемирной органи-зации, представляющей музеи и профессионалов музейного дела. Деятельность совета, созданного в 1946 г., направлена на охрану и популяризацию природного и культурного наследия — прошлого и будущего, материального и немате-
риального. Сегодня членами данной организации являются 40 тысяч членов из более чем 140 стран мира. В 1977 г. на 11-ой конференции совета, которая проходила в Москве и Ленинграде, было принято решение об учреждении Международного дня музеев.
Предложение о создании праздничной даты внесла российская делегация во главе с Ириной Антоновой — директором Государственного музея изобразительных искусств им. Пушкина.
С 1992 г. празднование Международного дня музеев проходит под определенным лозунгом, касающимся особенностей музейного дела. Ориентируясь на тему года, музеи всего мира готовят свои просветительские и образовательные

И. А. Антонова
Фото 70-х гг.
программы. Пожалуй, наиболее известная традиция праздника - ежегодный фестиваль «Ночь музеев», которую проводят множество российских музеев. Во время фестиваля вход в музеи бесплатный. Посетителей приглашают на авторские экскурсии и интерак-тивные программы, организовывают лекции и мастер-классы, проводят мероприятия для детей - ведь на «Ночь музеев» часто приходят целыми семьями.
Возникновение музеев
Первый прототип современного музея был основан Птолемеем I в Александрии примерно в 290 году до н.э. и имел статус учебного заведения. Он получил название Мусейон (храм муз) и имел огромное количество помещений, в одном из которых располагалась знаменитая Александрий-ская библиотека. Также там были жилые комнаты, столовые,

Бюст Птолемея I
Лувр, Париж
обсерватория, библиотека, ботанический и зоологический сады. Мусейон располагал медицинскими и астрономически-ми инструментами, чучелами животных, статуями и бюстами, которые использовались во время обучения. Его работа, в отличие от других научных школ, финансировалась государ-ством: учёные и педагоги получали жалование. Главный жрец «храма муз» назначался самим Птолемеем. Культурная и религиозная роль Мусейона сохранилась и в эпоху римского завоевания. Примерно в 270-273 гг. дворцовый комплекс, в состав которого входил Мусейон, был уничтожен пожаром по приказу императора Аврелиана. Разрозненные упоминания в источниках свидетельствуют о том, что в IV в. Мусейон в каком-то виде всё ещё существовал, но мало что известно о его организации и духовном влиянии.
Аналогом художественных музеев в античной Греции были храмы. По традиции в храмах богов и муз располагались статуи, картины и другие произведения искусства, посвящён-ные этим богам или музам. Позднее, уже в античном Риме, к этому добавились картины и скульптуры, расположенные в городских садах, римских банях и театрах. Доступ в эти места имел любой горожанин: таким образом, художественные произведения уже в ту пору были доступны широкой публике. Прообразами частных собраний во времена античности были виллы богатых и знатных людей. Вниманию гостей часто представля-лись произведения искусства, захваченные во время войн и привезённые хозяевами из
победоносных походов.
Войны в те годы играли значи-тельную роль в распространении художественных образцов разных стран по всему миру.
Так, римский император Адриан распорядился создать копии тех произведений искусства, которые он видел в Греции и Египте. Вилла Адриана, одна из самых роскошных вилл своего времени, богатством и разнообразием украшающих её произведений не уступала многим современным музеям.

Вилла Адриана в Тиволи
Современное фото

Реймский собор
Гравюра XVI в.
В средние века хранителями произведений искусства (ювелирных украшений, статуй, древних манускриптов) выступали храмы и монастыри. В них также выставлялись для обозрения трофеи, захваченные в войнах. В период военных действий эти собрания служили для оплаты выкупов: таким образом, состав коллекций постоянно менялся, то пополня-ясь, то уменьшаясь. Так, сокровища кафедрального собора Нотр-Дам в Реймсе всецело зависели от военных успехов французской армии.
Систематическое коллекционирование предметов искусства началось в эпоху Возрождения: именно в этот период зарождается современный облик художественного музея, а само слово приобретает современное значение.
Одним из крупнейших меценатов и покровителей науки и искусства того времени был правитель Флоренции, представитель знаменитой династии Лоренцо Медичи (1449-1492), получивший прозвище Великолепный. На протяжении всей своей недолгой жизни он способствовал возрождению интереса соотечественников к философии, литературе и искусству, покровительствовал художникам, скульпторам и мыслителям. В садах церкви Св. Мар-ка Лоренцо создал школу для обучения молодых живописцев и скульпторов (одним из них стал 13-летний Микеланджело); там же размещалась и собранная им обширная коллекция античных
скульптур. В годы правления Лоренцо Медичи Флоренция достигла наибольшего культурного и экономического расцвета, а положительный пример флорентийского Возрождения распространился на Рим, Венецию, Милан и Неаполь.


Лоренцо Великолепный
А. Бронзино, 1555-1565 гг.

Площадь Капитолия
Современное фото
Первым в мире публичным художественным музеем стал Капитолийский музей в Риме. Он был организован в 1471 г. папой Сикстом IV, когда он подарил часть античных скульптур из личной коллекции римскому народу. Музей разместился в трёх дворцах на спроектирован-ной Микеланджело площади Капитолия. Впоследствии музей был расширен и его коллекции регулярно пополнялись собра-ниями древнеримских статуй, рельефов, фарфора, драгоцен-ностей, монет и других предме-
тов, произведениями искусства эпохи средневековья и Возрождения.
К началу XVI в. относится также появление комплекса Ватиканских музеев - од­ного из цен­ней­ших в ми­ре со­б­ра­ний ан­тич­но­го и хри­сти­ан­ско­го ис­кус­ст­ва, в том числе ис­кус­ст­ва итальянского Воз­ро­ж­де­ния. Му­зей­ный ста­тус пап­ская кол­лек­ция древно­стей по­лу­чи­ла во вре­мя пон­ти­фи­ка­та Юлия II (1503–13); в даль­ней­шем со­б­ра­ние по­пол­ня­лось, в том числе за счёт ар­хеоло­гических рас­ко­пок в Ита­лии.



К XVI в. в Европе появляются первые учреждения музейного типа — галереи, "кунсткаме-
ры", "кабинеты". Стремясь сосредоточить в них всё богатство природного мира, дополнен-ное творениями рук человеческих, владельцы «кабинетов» преследовали, как правило, одну цель — удовлетворение собственных познавательных интересов. Так, в 1560 г. в резиденции курфюрстов саксонских - Дрездене - была основана кунсткамера, куда были собраны драгоценности и различные редкие предметы и механизмы.
К началу XVIII в. в Кунсткамере скопилось большое количество ценных экспонатов, которые находились в специальной сокровищнице под названием "Зеленые своды" (по цвету потол-ков и стен). Курфюрст Фридрих Август принял неординарное решение: сделать из сокровищ-ницы музей, который стал первым подобного рода музеем в мире.
С 1723 по 1730 г. помещения пере-строили и отделали зеркалами.
Коллекция, занявшая сначала девять, а затем 17 залов, потряс-ла современников своим велико-

Один из экспонатов "Зеленых сводов", 1701-1708 гг.
лепием; слава зеркальных кабинетов дрезденской сокровищницы облетела всю Европу, о ней отзывались как о прекраснейшем месте на земле.
Наряду с «кабинетами» и «кунсткамерами» в Европе получили распространение частные художественные коллекции, принадлежавшие знати и богатым буржуа. Многие из них становятся доступными для обозрения. Так, великий герцог Тосканы Франческо I Медичи открыл для публики собственную коллекцию произведений искусства, разместив её в здании, построенном Дж. Вазари в 1584 г. (ныне галерея Уффици).
В XVIII веке публичные музеи становятся неотъемлемой частью общественной жизни.
В 1750 г. в Париже картины Люксембургского дворца были два дня в неделю разрешены для публичного показа, в первую очередь студентам и деятелям искусства; позднее они были переданы в коллекцию Лувра.
Первым музеем нового типа стал Британский музей в Лондоне. Он был открыт в 1753 г.,
но для его посещения необходимо было письменно зарегистрироваться. Следующим
большим публичным музеем стал Лувр: он был открыт для широкого посещения в 1793 г.
Формирование основных европейских музеев завершилось в XIX в., когда они стали доступны для широкой публики: Музей истории искусств в Вене, Национальная галерея и Галерея Тейт в Лондоне, Старая и Новая Пинакотеки в Мюнхене, музей Прадо в Мадриде, Эрмитаж в Санкт-Петербурге и др.
Первым, кто определил художественное значение музея, был французский художник,
который обратился к членам Конвента с такими словами:
Не заблуждайтесь, граждане! Музей вовсе не бесполезное собрание предметов роскоши и суетности, служащее лишь к удовлетворению любопытства.
Надо, чтобы музей сделался школой большого значения: преподаватели поведут туда своих юных учеников, отец поведёт туда сына. Молодой человек при виде произведений гения почувствует, к какому виду искусства или науки призывает его природа!

Жак Луи Давид
(1748 - 1825)
Знаменитые музеи мира
Галерея Уффици
Флоренция, Италия
Легендарная галерея Уффици - одна из самых посещаемых достопримечательностей Италии. Это один из старейших музеев в Европе, расположенный в самом сердце Флоренции, между площадью Сеньории и мостом Ponte Vecchio.
Галерея обладает одной из самых значительных в мире коллекций, которая включает работы итальянских и зарубежных мастеров эпохи Возрождения. Они размещены в хронологическом порядке на площади 13 тысяч м² и занимают более пятидесяти залов.
История музея
Галерея Уффици появилась в эпоху наивысшего рассвета итальянского Ренессанса по инициативе Великого герцога Тосканы Козимо I Медичи, потомка знаменитого флорентийца, названного "отцом Возрождения" - Лоренцо Великолепного.

Портрет в доспехах Козимо I
А. Бронзино, 1545 г.
Строительство будущего музея началось в 1560 г. по проекту художника и архитектора Джорджо Вазари. Новое здание должно было не только стать резиденцией герцога, но также вместить в себя судебные и административные учреждения Тосканской магистратуры – Uffizi (офисы). Таким образом, название галереи несет в себе изначальное предназначение дворца и переводится с итальянского как канцелярия.
Для возведения нового дворца пришлось снести некоторые средневековые здания на площади Сеньории, в том числе церковь. Вазари блестяще решил проблему ограниченного пространства на побережье реки Арно, спроектировав здание в форме буквы U с портиками и длинным узким внутренним двором. Архитектор также создал уникальное
для того времени сооружение — так называемый Коридор Вазари. Он соединил дворец с Палаццо Питти и церковью
Св. Фелицаты с помощью воздушного перехода длиной 750 м, метров, который также прошел над мостом Ponte Vecchio. Строительство Уффици было завершено только в 1581 г., уже после смерти герцога Козимо и самого Вазари.
Новый герцог Франческо I Медичи, сын и приемник Козимо I, распорядился убрать из Уффици канцелярии магистратуры и собрал во дворце самые ценные экспонаты семейной
коллекции: собрание живописи XV в., а также статуи, доспехи, научные инструменты, интересные природные раритеты, портреты семьи Медичи и знаменитых людей.

Автопортрет
Дж. Вазари, ок. 1571- 1574 гг.

Зал Трибуны
Современное фото
Сердцем первоначальной коллекции музея считается Трибуна - зал, выполненный архитектором Буонталенти в 1584 г. Задуманная для размеще-ния произведений искусств, Трибуна сама была построена и украшена как произведение искусства. Так как Франческо I увлекался алхимией, зал был посвящен четырём стихиям - воде, огню, воздуху и земле. Мраморные полы представляли собой огромный цветок из инкрустации цветного камня.
Стены были покрыты красным велюром с золочеными кистями, растительные узоры сделаны из перламутра и золота. Окна также украшены позолоченными гирляндами и фантастическими фигурами, а над залом был возведен купол с 2500 перламутровыми раковинами. Со временем Трибуна изменилась — исчезли ракушки со стен, уступив место картинам, а в центре появился стол с флорентийской мозаикой, изготовленный в мастерских Герцогов Медичи в начале XVII в.




На протяжении многих поколений род Медичи покровительствовал людям искусства, заказывая для своей галереи картины у признанных мастеров и начинающих художников. Кроме того, коллекция постоянно пополнялась греческими и римскими артефактами, шедеврами, выкупленными у аббатств, дарами меценатов и художников.
Интересный факт
Если художник хотел выставить свои работы в галерее, он должен был приложить к ним еще и свой автопортрет. Благодаря этому условию Уффици стал музеем с уникальным собранием автопортретов, которого больше нигде в мире нет.
Так продолжалось до середины XVIII в., когда династия прекратила свое существование со смертью последнего прямого потомка по мужской линии Джана Гастоне Медичи (1671—1737). Его сестра, Анна Мария Луиза, передала в дар городу здание Уффици, дворец Питти и бесценные сокровища рода Медичи с условием, что они никогда не покинут Флоренцию и будут доступны для созерцания всем желающим.
Галерея была открыта широкой публике в 1769 г., по приказу Великого герцога Пьетро Леопольдо I. Этот представитель австрийской династии Габсбургов, унаследовавшей Герцогство Тосканское после Медичи, считается одним из самых образованных и просвещенных правителей Тосканы.
Сейчас в стенах галереи Уффици находятся две независимые коллекции. Первая включает картины с XIII по XIX век, а также великолепные античные скульптуры. Вторая коллекция, которая носит название "Зал рисунков и гравюр", состоит из почти 120 000 экспонатов. Эта коллекция зародилась в середине XVI века и пополняется до сих пор.
Шедевры галереи Уффици
Урбинский диптих
Написанный Пьеро делла Франческа в 1465-1472 гг., считается самым значительным из всего, что было создано итальянски-ми портретистами Раннего Возрождения. Герцог Урбино Федериго да Монтефельтро и герцогиня Баттиста Сфорца изображены в профиль - так же, как императоры на античных
медалях, но лица герцога и его жены не идеализированны. Выбор изображения герцога в профиль не случаен. Во время рыцарского турнира Федериго лишился правого глаза, именно поэтому художник изобразил его в левый профиль. Произведения Пьеро делла Франческа оказали огромное влияние на итальянскую живопись XV века, в частности на творчество Леонардо да Винчи и Рафаэля.

Рождение Венеры

Весна
"Рождение Венеры" (1482-1485) и "Весна" (ок. 1477-1482) Сандро Боттичелли стали символом гуманистической культуры Флоренции эпохи Возрождения. Картины были написаны для семьи Медичи, которые ценили красоту античного мира и были страстными коллекционерами произведений искусства. Возможно, обе картины заказал художнику Лоренцо Велико-
лепный в качестве подарка для своего двоюродного брата Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. Считается, что моделью для обеих картин была Симонет-та Веспуччи, муза Сандро Ботти-челли, который воплотил ее образ во многих своих полотнах. "Рождение Венеры" впервые для Тосканы демонстрирует живо-пись на холсте. Использование алебастровой пыли придаёт краскам особое сияние. Картина может быть интерпретирована как ода династии Медичи: благодаря их культуре и умелой дипломатии во Флоренции воцарились любовь и красота.



Благовещение

Крещение Христа
"Благовещение" - одна из самых ранних работ Леонардо да Винчи. Предположительно создана в 1472-1475 гг., когда Леонардо ещё работал в мастерской своего учителя Веррок-кио. Изначально картина находилась в церкви св. Варфоло-мея в аббатстве ордена оливетов под Флоренцией и счита-лась работой Гирландайо. В 1867 г. она поступила в галерею Уффици, где ее приписали кисти Лоренцо ди Креди. Но уже
тогда некоторые искусствоведы указывали на сходство картины с ранними работами Леонардо да Винчи. Окончательно развеяла сомнения в авторстве публикация в 1907 г. наброска Леонардо, где изображена рука ангела для "Благовещения".
"Крещение Христа" - картина, написанная Андреа Вероккио совместно с его учеником, двадцатилетним Леонардо да Винчи в 1475 г. Кисти Леонардо здесь принадлежат некоторые элементы пейзажа и крайний ангел слева. С ангелом Леонардо связана знаменитая легенда о "побеждённом учителе". Согласно ей, Вероккио, поручивший ученику написать одну из фигур, был настолько потрясён его мастерством, что забросил кисть и после этого больше не писал.






Мадонна со щеглом
Во время первого пребывания во Флоренции Рафаэль написал ряд картин с изображением Мадонны. "Мадонна со щеглом" (1505-1506) была написана для друга Рафаэля, Лоренцо Нази, состоятельного флорентийца, сочетавшего занятие торговлей с увлечением живописью. Нази только что женился и сразу после свадьбы заказал картину.

Когда в 1548 г. дом Нази был разрушен в результате землетрясения, картина оказа-лась разбитой на семнадцать фрагментов. Они, вероятно, были переданы Ридольфо Гирландайо для реставрации, но швы между частями оставались видны. Дальнейшая история картины неясна - только в 1646-47 гг. она упоминается в составе коллекции кардинала Медичи.
В 2002 г. в Уффици началась реставрация картины Рафаэля: специалисты в течение шести лет очищали ее поверхность от загрязнения и устраняли последствия её разрушения. Перед началом работы было проведено доскональное изучение карти-ны с использованием современных мето-дов. Исследователям удалось идентифи-цировать и удалить все слои реставраци-онных работ прошлых веков, вернув картине первоначальный облик. В 2008 г. она была возвращена на своё место в галерею, где всё это время её заменяла старинная копия.
Мадонна Дони
"Мадонна Дони" ("Тондо Дони") была написано Микеланджело по возвращении во Флоренцию из своей первой поездки в Рим, в тот же самый период, когда он работал над прослав-ленной статуей Давида. Это единственное произведение живописи великого Микеланджело, хранящееся во Флорен-ции. Работа датирована 1506-1508 гг.

Тондо, круглая по форме картина или барельеф, было особенно популярно во Флоренции. Произведение было заказано
банкиром А. Дони по случаю его женитьбы на представительнице старинного флорентийского рода Маддалене Строцци. "Мадонна Дони" является единственным дошедшем до нашего времени станковым произведением Микеланджело, и, наряду с фресками Сикстинской капеллы, одним из немногих примеров живописного мастер-ства великого скульптора. Считается, что эта картина заложила основы маньеризма, нового стиля, который отличают вычур-ность живописной манеры и броскость с одной стороны, и рафинированность и утончённость с другой.

Венера Урбинская
"Венера Урбинская" была написана в 1538 г. по заказу герцога Урбинского Гвидобальдо II делла Ровере.
Произведение интересно разными вариантами интерпретации ряда символов, изображенных на холсте.
Скорее всего картина представляет собой аллегорию брака.
Согласно одной из версий, на ней изображена невеста
герцога Гвидобальдо II Джулия Варано. Маленькая собачка, спящая в ногах Венеры, является символом супружеской верности. На заднем плане изображены две служанки, занятые сундуком с нарядами – приданным молодой девушки. По другой версии моделью для картины стала возлюбленная Тициана, которую он изобразил по меньшей мере на трёх полотнах. Высказывалось также предположение, что на картине могла быть изображена

мать Гвидобальдо, герцогиня Элеонора Гонзага, портрет которой Тициан написал в том же году (и с той же собачкой).
Очевидное сходство картины с "Венерой" Джорджоне, написанной тридцатью
годами ранее, вполне объяснимо – Тициан был учеником и другом Джорджоне.
Вакх
Гениальный Караваджо полностью изменил манеру живописи не только в Италии, но и во всей Западной Европе. Для стиля Караваджо характерны необыкновенный реализм, с которым изображены мельчайшие детали, и сильный контраст света и тени, который являлся не только техническим приёмом, но и имел символическое значение: свет - благодать, тень - грех

и безнадежность.
"Вакх" (1596-1597) был заказан живописцу кардиналом дель Монте в подарок великому герцогу Тосканы Фердинандо I. Вакха, традиционно изображаемого прекрасным античным божеством, Караваджо изобразил парнем из простого народа - такого можно было встретить на улице или в таверне. Как и в большинстве его произведений пейзаж здесь отсутст-вует, ведь главная задача мастера - пере-
дать человеческую природу персонажа.
Во время недавних восстановительных работ над картиной реставраторы обнару-жили изображение мужского лица на графине с вином. Полагают, что это автопортрет самого художника.
Венера Медичи
Мраморная скульптура, изображающая богиню любви и красоты, датируется I в. до н. э. и возможно была сделана в Афинах с бронзовой древнегреческой статуи, близкой Афродите Книдской работы прославленного Праксителя.
Известно, что в XVII в. Венера находилась в Ватикане, но в 1766 г. папа Иннокентий XI счел ее непристойной и продал семье Медичи для ее коллекции произведений искусства. Так скульптура оказалась в галерее Уффици.
В 1803 г., во время наполеоновских войн, статую попытались перевезти из Флоренции в Неаполь, но она была перехвачена французами и по распоряже-нию Наполеона Бонапарта отправлена в Париж. На протяжении 12 лет она украшала собой Лувр.
Чтобы компенсировать потерю, итальянский скульптор Антонио Канова создал по её образцу новую скульптуру, получившую название Венера Италийская. После отречения Наполеона Венера Медичи была возвращена в Италию 27 декабря
1815 г. и помещена на свое прежнее место
в галерею Уффици.

О галерее Уффици и ее коллекциях читайте в книгах из фондов ВГБИЛ
Книги доступны для просмотра в библиотеке
Уффици: все живописные произведения с 658 иллюстрациями
Л. Берти
Галерея Уффици. История и коллекции
Распятие №432 из галереи Уффици
Галерея Уффици
Уффици, Флоренция
Галерея Уффици
Явление Христа Марии Магдалене
Бароччи Ф.
Искусство Флоренции
Уффици
К. Канева
Античная скульптура Уффици
Рисунки флорентийских художников эпохи Возрождения
Б. Беренсон
Флоренция
П. Шубринг
Знаменитые музеи мира
Британский музей
Лондон, Великобритания
Британский музей является крупнейшим и самым популярным историко-художественным музеем в Великобритании, вторым по посещаемости музеем после Лувра.
Его постоянная коллекция содержит более 13 млн. экспонатов, охватывающих историю мировой культуры от ее зарождения до наших дней.
Коллекции музея занимают 94 галереи общей протяженностью более 4 км.
История Британского музея началась с частного собрания экспонатов. Английский врач Ганс Слоан (1660 - 1753), который являлся известным коллекци-онером древностей, путешественником и натура-листом, еще при жизни составил завещание, соглас-но которому его душеприказчики должны были предложить его коллекцию и библиотеку за сумму в 20 000 фунтов стерлингов сперва английской на-ции, а если она откажется, то академиям в Санкт-Петербурге, Париже, Берлине и Мадриде. На тот момент коллекция насчитывала более 70 000 пред-метов - книг, манускриптов и исторических находок. Парламент не только с благодарностью принял это предложение, но также разработал план для приоб-ретения новых коллекций. Для этой цели с помощью лотереи была собрана сумма в 100 000 фунтов стерлингов, часть которой была потрачена на при-обретение здания для будущего музея - Монтегю-

Портрет Ганса Слоана
С. Слотер, 1736 г.
Хауса, считавшегося в свое время красивейшим частным особняком Лондона.
7 июня 1753 г. Георг II подписал акт парламента о создании на основе коллекций Слоана Британского музея. К открытию музей пополнился библиотеками графа Р. Харли и антиквара Р. Коттона, которые стали основой будущей Британской библиотеки. А в 1757 г. к коллекциям присоединилась и Королевская библиотека. Среди экспонатов были настоящие литературные сокровища, в том числе единственная уцелевшая копия «Беовульфа».

Ваза из коллекции Гамильтона
Иллюстрация 1766-67 гг.
Открытие музея для публики состоялось 15 января 1759 г. Но попасть сюда могли далеко не все, а толь-ко избранные. Для массового посещения Британ-ский музей станет доступен почти через 100 лет.
С первых же лет существования музея его коллек-ции постоянно пополнялись за счёт даров, пожерт-вований и покупки частных собраний. Так, фонды музея в 1760-1770-е гг. пополнили собрание тракта-тов времен гражданских войн XVII в., пьес XVI–XVII веков и коллекция греческих ваз.
С 1778 г. в музее выставляются разнообразные предметы, собранные капитаном Куком в его кругосветных путешествиях.
В 1784 г. У. Гамильтон, британский посол в Неаполе, продал музею своё собрание греческих и римских древностей.
В начале XIX в. музей активно расширяет свои коллекции древнеегипетского и античного искусст-ва. Так, в 1802 г. в нём был представлен публике знаменитый Розеттский камень, благодаря которому удалось расшифровать египетскую письменность. Камень был обнаружен в июле 1799 г. лейтенантом наполеоновской армии П. Бушаром при сооружении форта близ г. Розетты недалеко от Александрии. Офицер понял важность находки и отправил ее в Каир, где за год до этого по приказу Наполеона был открыт Институт Египта. В 1801 г. французы потер-пели поражение от англичан, и Розеттский камень вместе с рядом других ценностей был захвачен и доставлен в Британию.

Розеттский камень
Одна из значимых составляющих фонда Британского музея - уникальное собрание произведений древнегреческого искусства, получившее название "мраморов Элгина".
Это коллекция шедевров, главным образом скульптур и рельефов Парфенона Афинского акрополя, вывезенная из Греции Томасом Брюсом, графом Элгином. Будучи британским послом в Стамбуле, Элгин имел доступ к древним артефактам Греции, которая в то время находилась под властью Османской империи. Вначале он планировал, получив разреше-ние турецких властей, заняться зарисовками и снятием гипсовых слепков с античных памятников, прежде всего на афинском Акрополе (для этого была собрана специальная группа художников). Но, приехав в Афины, Брюс обнаружил, что произведения искусства безжалостно уничтожаются турецкими властями и разворовываются путешественниками и торговцами. Афинский акрополь в то время был турецкой крепостью. Древние колонны и статуи перерабатывали в известь, стены разбирали ради свинцовых креплений, кото-рые использовали для отливки пуль. Элгин и его команда решили вывезти максимальное количество древностей в Англию, чтобы спасти их от полного уничтожения. Им удалось изъять большое количество скульптур, фрагментов фасадов и множество других архи-тектурных деталей объектов Афинского акрополя. Увы, в ряде случаев это производи-лось откровенно варварскими способами. Кстати, считается, что мраморы, оставшиеся в Афинах, находятся в лучшем состоянии, чем те, что были вывезены агентами Элгина.
Афинский акрополь. Современное фото
В сентябре 1802 г. из Афин в Англию отправился бриг «Ментор» с драгоценным грузом в двухстах ящиках. Турецкое правительство, не проявлявшее интереса к шедеврам антич-ности, разрешило вывоз всего собранного Элгином в Лондон. На это ушло 10 лет - с 1802
по 1812 г. - и стоило лорду целого состояния. Сам Элгин, возвращаясь домой по суше, был задержан на территории Франции и провел там в качестве военнопленного три года.

Т. Брюс, 7-ой граф Элгин
Э. Графф, 1788 г.
Первая выставка "мраморов Элгина", состоявшаяся
в Лондоне в 1807 г, обернулась скандалом: один из экспертов заявил, что экспонаты не подлинные и являются поздними римскими подделками. К тому же на Элгина посыпались обвинения в краже произ-ведений искусства другой страны. Мнения англичан разделились - одни, как лорд Байрон, открыто называли Элгина вандалом и вором, другие считали героем, спасшим шедевры от неизбежной гибели. Парламент создал специальный комитет, который, выслушав мнения сторон, полностью оправдал лор-да Элгина и подтвердил наивысшую ценность для мировой культуры вывезенных им артефактов.
В том же году "мраморы Элгина" были выставлены в
специальном павильоне Британского музея.
Практически с момента возрож-дения государственности в 1830 году Греция безуспешно требо-вала от Британии возвращения "мраморов Элгина" как неотъем-лемой части национального достояния. Ввиду спорного статуса перемещённых ценнос-тей Парфенона британское правительство ни разу не дало разрешения на их экспонирова-ние за пределами страны. Исклю-чение было сделано лишь для выставки к 250-летию Государст-венного Эрмитажа в 2015 г., на которой была представлена одна из статуй коллекции Элгина.
В 1818 г. покупкой бюста фараона Рамзеса II было положено начало коллекции монументальной скульптуры Древнего Египта. В 1825 г. в Британском музее появились также коллекции ассирийского и вавилонского искусства.
С 1840 г. музей организовывает и финансирует археологические экспедиции в разных уголках мира. Находки, сделанные экспедициями, пополняют фонды музея, порой основывая целые направления научных исследований. Так, обнаружение огромной клинописной библиотеки ассирийского царя Ашшурбанипала сделало Британский музей одним из мировых центров ассирологии.
Бюст Рамзеса II
ок. 1270 г. до н. э.
Фасад монумента "Нереиды" из Ксантоса (реконструкция)
Ок. 4 в. до н. э.
Статуи из мавзолея в Галикарнасе
ок. 350 г. до н. э.
Экспонаты Британского музея
Фонды Британского музея росли так быстро, что уже к концу XVIII в. Монтэгю-Хаус стал слишком тесным для их хранения, поэтому в 1823 г. начались работы по постройке более просторного здания на месте старого. Архитектором нового здания Британского музея стал Роберт Смёрк, который задумал проект в неогреческом стиле с 44 ионическим колоннами на южном фасаде. Его строительство продолжалось чуть более 30 лет, и в 1847 г. двери обновленного музея открылись для широкой публики. В 50-е гг. по проекту сэра Р. Уэстмакотта был построен фронтон, и здание наконец обре-ло свой современный вид. Но на этом работы над проектом не прекратились –в 1857 г. построили Большой двор, в центре которого расположился Круглый читальный зал.
Колониальная экспансия Велико-британии способствовала стре-мительному росту числа музей-ных экспонатов, и был поставлен вопрос о необходимости отдель-ного помещения естественно- научных коллекций. Началось строительство нового здания в Южном Кенсингтоне, и в 1880 г. естественно-исторические коллекции были перемещены в новый Музей естественной истории (он окончательно отде-лился от Британского музея лишь в 1963 г.). Но и это не решило проблему, поэтому в 1895г. попе-чительский совет выкупил ряд зданий вокруг музея.
Музей естественной истории
Во время первой и второй мировых войн часть экспонатов Британского музея эвакуировалась в безопасные районы. Часть их при транспортировке неизбежно получала повреждения. Поэтому для их реставрации была создана временная реставрационная лаборатория, с 1931 г. работающая на постоянной основе. В 1940 г. во время налёта немецкой авиации одна из галерей музея (Галерея Дувин) серьёзно пострадала.
В последующие годы популярность Британского музея среди посетителей не уменьша-лась: в 1972 году, например, выставку «Сокровища Тутанхамона» посетило около 1,7 млн. человек.
В том же году решением парламента было решено создать на основе книжных собраний музея отдельную структуру — Британскую библиотеку (однако книги начали вывозить из музея только в 1997 г.): древние рукописные и первые печатные книги из библиотеки Британского музея объединили еще с несколькими коллекциями. Так родилась Британская библиотека, самая большая национальная библиотека в мире (более 170 млн. ед. хранения), фонды которой разделены на несколько корпусов по разным адресам.

Один из залов Британской библиотеки
Фото 1994 г.

Купол над бывшим читальным залом
Современное фото
В конце XX в. здание Британского музея претерпело новые измене-ния по проекту знаменитого архитектора Нормана Фостера. Так появился огромный стеклян-
ный купол, накрывший дворик музея и ставший его узнаваемым символом. Сегодня музей, хотя он и лишился библиотеки и коллек-ций естественнонаучной направ-ленности, всё равно является одним из крупнейших музеев мира - его площадь составляет 92 тыс. м², в фондах хранится более 13 млн. предметов.
Каждое воскресенье в Британском музее проводятся встречи детского клуба
«Юные друзья Британского музея», члены которого имеют бесплатный доступ к дополнительным экспозициям и местам, редко посещаемым туристами.
Очень популярны в последнее время «Ночи в музее»: четыре раза в год дети всю ночь находятся в музее, слушая интересные истории и играя в игры.
Каждая ночь имеет определённую тему, посвящённую той или иной мировой культуре, например, «Японская ночь» или «Египетская ночь».
В книгах из фондов ВГБИЛ вы найдете подробную информацию о Британском музее
и его коллекциях
Книги доступны для просмотра в библиотеке
Сокровища Британского музея
Время Микеланджело: "Мадонна" Британского музея
П. Д. Баренбойм
Британский музей: тематическое исследование архитектурной политики
Дж. М. Крук
Греческое и римское искусство в Британском музее
Б. Ф. Кук
Капитан Кук
и юг Тихого океана
Сборник статей
Искусство раннего средневековья
Э. Китцингер
Британский музей
Сокровища
Британского музея
М. Кэйгилл
Искусство Бенина
Ф. Дарк, В. Форман, Б. Форман

Вечный Египет: произведения древнего искусства из Британского музея
Э. Рассманн
Известный американский египтолог, Эдна Рассманн стала автором-составителем замечательного иллюстрированного каталога передвижной выстав-ки Британского музея под названием "Вечный Египет", открывшейся в 2001 г. В течении трех лет экспонаты этой выставки демонстрировались в США, на восьми выставочных площадках.
Издание содержит иллюстрации 144 экспонатов из египетских коллекций с подробным описанием каждого из них. Вступительные статьи, также бога-то иллюстрированные и посвященные историческо-му обзору искусства Древнего Египта и истории формирования египетских коллекций музея,
написаны самой Эдной Рассманн и Т. Г. Джеймсом, известным британским ученым, 14 лет проработав- шим в Британском музее в качестве хранителя отдела египетских древностей.
Роберт Уайли Ллойд (1868 - 1958) был успешным бизнесменом, у которого было два увлечения - альпинизм и коллекционирование. Он наполнил свой дом восточными древностями, швейцарскими гравюрами, описаниями жуков и бабочек, книгами по альпинизму. Но почетное место было отдано 50-ти превосходным акварелям Уильяма Тёрнера, ныне находящимся в Британском музее. Для защиты кра-сок от вредного воздействия света Ллойд заключил все картины в специально изготовленные позоло-ченные рамы с защитными экранами. Коллекционер завещал свою коллекцию Британскому музею.
По условиям завещания, акварели Тёрнера должны были экспонироваться в течение всего лишь двух

Дж. М. У. Тёрнер: акварели, подаренные
Р. У. Ллойдом
К. Слоан
недель ежегодно или в каких-то особых случаях; коллекция никогда не должна была покидать музей и выставляться в других местах. В результате, эти картины очень трудно увидеть, зато они прекрасно сохранились - практически в том же виде, в каком они вышли из-под пера художника.
Каталог, составителем которого является Ким Слоан, хранитель департамента гравюр и рисунков Британского музея, воспроизводит все 50 акварелей, подаренных Ллойдом, а также еще 10 черно-белых иллюстраций. Вступительная статья знакомит читателя с
Р. У. Ллойдом, его жизнью и историей его коллекции.
Знаменитые музеи мира
Лувр
Париж, Франция
На протяжении последних двух столетий музей Лувра является сосредоточием художественного и духовного наследия человечества. В экспозициях музея наряду с предметами искусства Старого и Нового времени представлены шедевры древних цивилизаций – древнеегипетской, античной, восточной. Здание, в котором в наши дни представлены основные коллекции музея, имеет древнюю историю и заслуживает внимания не меньшего, чем сами экспозиции. Средневековая крепость, королевский дворец, Главный музей искусств – в таких ипостасях довелось представать Лувру на разных этапах своего существования.
История здания
Лувр воз­ник в ка­че­ст­ве средневековой кре­по­сти, по­стро­ен­ной при ко­ро­ле Филиппе II Августе в 1190-1202 гг. и за­щи­щав­шей под­сту­пы к острову Си­те. Вполне возможно, что название крепости произошло от некогда находившегося здесь «Волчьего» леса (Louverie), в котором стоял охотничий замок французских королей. Некоторые исследователи
считают, что название происходит от франкского слова "крепость".
В 1317 г. в Лувр была перенесена королевская казна, а чуть позже Карл V делает из замка свою резиденцию. Преемники Карла V долгое время предпочитали жить в замках Луары и в Париже бывали редко, отчего он несколько пришел в упадок.

Франциск I
Ж. Клуэ, 1525 г.
Возрождение города связано с именем Франциска I, который переселился сюда в начале XVI в. Дело в том, что, когда король оказался в испанском плену, парижане внесли за него большую часть выкупа. В знак благодарности монарх дал обет вернуть свою резиденцию в Париж.
В 1528 г. по приказу Франциска I первоначальное здание Большой башни Лувра было снесено, и вскоре начались работы по превращению крепости в великолепную королевскую резиденцию. Крыло Леско и есть самое старое из дошедших до нас зданий современного Лувра. Оно носит имя архи-тектора, которому Франциск I поручил в 1546 г. возведение нового дворца и который продолжил эту работу при следующем короле, Генрихе II. Результат трудов Леско считается шедевром французского Ренессанса.
Дальнейшая история Лувра – это история его постоянного строительства. Сначала на месте южной крепостной стены была построена реплика павильона Леско.
Затем, уже при Генрихе IV, после перерыва, связанного с религиозными войнами конца XVI в., возвели длинную галерею вдоль берега – сейчас она скрыта от взгляда посетителя. Эта галерея послужила осно-вой для будущего музея, поскольку в ней планировалось разместить королевскую коллекцию картин. При Людовике XIII построили центральный павильон с часами и тремя арками-проходами. Он получил название Павильон Часов (архитектор Жак Лемерсье), а справа от него опять повтори-ли павильон Леско. Во время правления Людовика XIV Квадратный двор закрыли со всех сторон идентичными павильонами. Внутренним убранством королевского дворца в этот период занимались архитек-
тор Луи Лево, скульпторы Ф. Жирардон, братья Марси, художники Т. Дюбрей,

Павильон часов, Лувр
Современное фото
Ш. Лебрен и др. Ими создан ряд интерьеров, в том числе зал Апполона, который 20 лет спустя послужил образцом для создания Зеркальной галереи Версальского дворца.
Людовик XIV, Король-солнце, Париж не любил. Еще в детстве ему пришлось бежать из города, охваченного восстанием, и с тех пор он не доверял парижанам. Взойдя на престол, он старался бывать в своей столице как можно реже и в конце концов переселился вместе со всем двором в Версаль.
Тем не менее Париж оставался главным городом королевства, где необходимо было осуществлять грандиозные строительные проекты.

Восточный фасад (Колоннада) Лувра
Современное фото
Решено было заново создать восточный фасад Лувра. Первый министр короля Ж.-Б. Кольбер, которому было поручено строи-тельство, в 1664 г. фактически устроил конкурс между лучшими архитекторами того времени, включая легендарного Лоренцо Бернини. В результате, финаль-ный проект строительства был разработан Клодом Перро, архитектором-любителем, врачом и старшим братом знаме-нитого сказочника.
В результате получился шедевр мировой архитектуры и одно из высших воплощений французского классицизма.
В связи с тем, что Лувр утратил значение королевской резиденции, его стали постепенно занимать различные учреждения, а также мастерские художников и ремесленников. Грандиозные задумки архитекторов остались незавершенными, и массивная Восточная колоннада долгие годы скрывала за собой оставшиеся без крыши северное и восточное крыло внутреннего двора. Только в XIX веке, когда Лувр реставрировали после пожара 1871 г., недостроенные части дворца были завершены.
В годы правления Наполеона Бонапарта его архитекторы Персье и Фонтен начали сооружение северного крыла вдоль улицы Риволи (павильон Марсан).
Это крыло было достроено позднее, в 1852 г., и сооружение Лувра, таким образом, было завершено.
Одним из украшений Лувра в период с 1848 по 1870 г. стали аппартаменты Наполеона III, поражающие своей пышностью и великолепием. Это единственные жилые интерьеры, сохранившиеся в бывшем королевском дворце.
В мае 1871 г. дворец Тюильри был подожжен парижскими коммунарами. Потушить пожар удалось только через два дня, когда все интерьеры уже сгорели. В отличие от Лувра, также пострадавшего от огня, правительство Третьей республики решило не восстанавливать символ королевской власти в самом сердце Парижа. Руины Тюильри простояли в центре столицы 12 лет, после чего обгоревший остов здания был продан под снос. После этих событий Лувр приобрёл свой современный вид.
Довольно длительное время в помещениях бывшего королевского дворца размещались различные административные учреждения; последние из них покинули Лувр лишь в 60-80 гг. XX в., после чего в распоряжение музея перешел весь комплекс зданий.
Современный комплекс музея состоит из трех корпусов (крыльев) – Ришелье, Денон и Сюлли, в которых располагаются выставочные пространства общей площадью более
60 тысяч кв. метров. В 1989 г. во дворе музея, напротив крыла Сюлли появилось строение, которое вызвало не меньше ожесточенных споров и возражений, чем строительство в Париже XIX в. Эйфелевой башни.
Футуристического вида пирами-да из стекла и металла была спроектирована архитектором Бей Юй Мином в рамках реализа-ции проекта «Большой Лувр», предложенного президентом
Ф. Миттераном. Пирамида Лувра, кроме эстетической функции, исполняет роль главного входа в музей. Вокруг нее расположены три пирамиды поменьше. Грани пирамид полностью состоят из стеклянных сегментов - таким образом обеспечивается оптимальное освещение подземного вестибюля.

Пирамида Лувра
Современное фото
Лувр - музей
Предпосылки к созданию музея в Лувре появились еще в середине XVIII в., когда среди прогрессивных слоев париж-ской знати стали звучать предложения об открытии к пуб-личному показу ценных экспонатов королевских коллекций. В 1778 г. было принято решение об открытии в Лувре Коро-левского музея; его хранителем был назначен известный

Ю. Робер
Э. Виже-Лебрен, 1788 г.
художник Юбер Робер (1733 - 1808) с поручением подготовить к выставке шедевры из королевской коллекции. Тогда же Робер предложил проект перестройки Большой галереи с целью создания в ней верхнего освещения через застеклен-ный потолок, но эта задумка была осуществлена гораздо позже. После заключения Людовика XVI в тюрьму во время Великой французской революции Ю. Робер был арестован
по подозрению в нелояльности, а королевские коллекции в Лувре объявлены национальной собственностью. Чтобы избежать мародерства и порчи предметов искусства из-за небрежного хранения, Национальное собрание издало указ об организации музея. Лувр, который был домом короля и местом хранения всех его сокровищ, теперь был открыт для
всех желающих, а сами сокровища были выставлены на публичное обозрение. Теперь любой гражданин мог прийти сюда. Революционеры очень старались подчеркнуть символичность этих изменений.
Впервые двери музея были открыты для публики 10 августа 1793 г. Доступ в музей был бесплатным три дня в неделю. В то время его фонды насчитывали всего 537 картин и около 200 различных предметов искусства.
Коллекции
Уже в XV в. во Франции пробудился интерес к коллекциони-рованию памятников искусства. В период итальянских войн конца XV - первой половины XVI в. французские короли не упускали возможности вывезти из Италии античные статуи и другие художественные ценности. Так, король Карл VIII, захватив Флоренцию в 1494 г., перевез во Францию многие
сокровища дворца Медичи и другие трофеи. Но традиция планомерного приобретения коллекций была заложена Франциском I (1515–1545). Он не только использовал любую возможность получить произведения искусства, но и стремился переселить во Францию лучших итальянских мастеров. В числе тех, кто прибыл страну по приглашению короля, были Леонардо да Винчи, Бенвенуто Челлини, Андреа дель Сарто, Россо Фьорентино, Приматиччо, Пермиджанино и другие. Леонардо да Винчи провел во Франции последние годы жизни, а все находившиеся в его мастерской картины были приобретены Франциском I, в том числе знаменитая Джоконда. Тогда же во Францию были привезены Рабы Микеланджело, подаренные королю флорентийцем Роберто Строцци и позднее попавшие в коллекцию Лувра.
Мона Лиза
Леонардо да Винчи, 1503-1505 гг.
Нимфа Фонтенбло
Бенвенуто Челлини, ок. 1542 г.
Умирающий раб
Микеланджело Буанарроти,
1513-1516 гг.
Пополнение коллекций продолжалось и в последующие годы. Мария Медичи - регентша при малолетнем короле Людовике XIII - заказала П. Рубенсу цикл, состоящий из 24 картин с изображением событий жизни королевы. Картины украсили ее Люксембургский дворец в Париже, а в 1802 г. были переданы из Люксембург-ского музея в Лувр.
В XVII в. собирательская деятельность получила особенный размах. Не только короли Франции, но и многие другие любители искусства имели богатейшие коллекции, например, всесильные министры Ришелье и Мазарини, банкир Кроза. Большая часть коллекций Ришелье и Мазарини была унаследована Людовиком XIV.
Коронация Марии Медичи. П. П. Рубенс, 1622 - 1625 гг.
Король проявлял исключительный интерес к искусству, по его заказам французскими мастерами были созданы многочисленные картины, скульптуры, произведения декоративно-прикладного искусства, значительная часть которых сейчас находится в разных отделах Лувра. Тогда была приобретена большая часть коллекции картин Пуссена, Рубенса и Рембрандта. Особенно усердно старался приумножить королевские коллекции первый министр короля Кольбер. За годы его деятельности число картин достигло двух тысяч.
В период Директории (1795 - 1799) было провозглашено, что Франция имеет суверенное право на произведения искусства из других стран, чтобы украшать «царство свободы». Первая партия захваченных французской армией художественных памятников поступила из Нидерландов в 1794 г. В дальнейшем во Францию продолжали отправляться обозы с произведениями искусства, ставшими трофеями наполеоновской армии. Так, в 1796 г., после оккупации Италии французскими войсками, из этой страны было вывезено все самое ценное из знаменитых коллекций Ватикана, виллы Боргезе, а также богатейших собраний Флоренции, Венеции и других городов. Большое количество древних артефактов поступило в коллекции Лувра в результате египетского похода Бонапарта 1798 - 1801 гг.



В число трофеев Наполеона Бонапарта, вывезенных из побежденных стран и помещен-ных в Лувр, вошли многие шедевры европейского искусства:
Благовещение
Дж. Вазари, 1564 - 1567 гг.
Преображение
Рафаэль Санти, 1516 -1520 гг.
Венера Медичи
I в. до н. эн
Аполлон Бельведерский
Ок. 330 - 320 гг.
Брак в Кане Галилейской
П. Веронезе, 1562 - 1563 гг.
Троица Гонзага
П. П. Рубенс, 1604 - 1605 гг.
Гентский алтарь
Х. ван Эйк, Ян ван Эйк, 1432 г.
Лаокоон и его сыновья
Полидор и др., I в. до н. э
Лувр при Наполеоне Бонапарте был объявлен центральным художественным музеем Европы и стал символом мирового господства и мощи империи. Его стали называть Музеем Наполеона. Директором музея был назначен барон Д. Виван Денон, который занимал должность хранителя древностей еще при Людовике XV. Он участвовал в военных походах Наполеона, в том числе и в Египет, где во время военных действий делал зарисовки и снимал копии с древних рельефов и росписей.
Виван Денон очень энергично проводил политику расширения коллекций. Именно он инициировал обогащение Лувра экспонатами музеев захвачен-ных стран. При нем собрание Лувра было впервые систематизировано по географическому и хроноло-гическому принципу. Для того, чтобы восполнить пробелы коллекции, в 1811 г. он приобрел произведе-ния Чимабуэ и Джотто, а также картины итальян-ских художников XV в., ранее почти не представлен-ных в Лувре. Это был один из первых примеров систематического пополнения коллекции в истории музейного дела.
После падения империи Наполеона многие произве-дения искусства, вывезенные им из других стран, были возвращены на родину, но далеко не все. Так, почти половина захваченных в Италии картин в силу разных причин осталась в Лувре.

Портрет Виван Денона
Р. Лефевр, 1808 г.

Цыганка
Ф. Хальс, 1630 г.
В последующие годы в Лувр стали поступать произ-ведения мастеров Франции XIX в. - Ж.-Л. Давида,
Ж. О. Энгра, Э. Делакруа.
Многие частные коллекции были куплены дирекци-ей музея или были приняты в качестве даров. Так была получена большая часть картин французских мастеров XVIII в., а также такие шедевры как "Цыганка" Ф. Хальса (передана в Лувр по завещанию доктора Л. Леказа в 1869 г.), "Корабль дураков"
И. Босха (передана в Лувр в 1918 г. композитором и критиком К. Бенуа) и многие другие.
Чрезвычайно обогатили музей французские археологи 19 в. Так, знаменитый ученый О. Мариэтт производил раскопки в Мемфисе (Египет) и переправил в Лувр 6 тыс. найденных им памятников. Среди них – Сидящий писец. В 1819 г. француз-ским послом была подарена королю Венера Милосская, найденная на греческом острове Милос крестьянами, а в 1863 была приобретена Ника Самофракийская, обнаруженная французским археологом-любителем Ш. Шампуазо.
Сидящий писец
Ок. 2500 гг. до н. э.
Венера Милосская
Ок. 130 - 100 гг. до н. э.
Ника Самофракийская
Пифокрит, ок. 190 - 180 гг. до н. э.
Лувр в XX веке
21 августа 1911 г. было совершено преступление, которое вошло в историю как ограбление века - была похищена "Мона Лиза" Леонардо да Винчи.
Французская пресса обвиняла немцев в провокации: якобы кайзер приказал украсть "Джоконду", чтобы продемонстрировать слабость Франции. Немецкая пресса в ответ обвиняла французов, стремившихся развязать войну. И те, и другие были далеки от истины. Так же, как и те, кто обвинял художников-авангардистов во главе с Пикассо, заявлявших о том, что классическая живопись никому не нужна. В числе подозреваемых был также аргентинский коллекционер Эдуардо де Вальфьерно, который незадолго до похищения заказал 6 копий "Моны Лизы". Все копии он продал, выдавая их за украденный оригинал.


Преступника удалось обнаружить лишь спустя два года. Им оказался итальянец Винченцо Перуджа, который незадолго до происшествия устроился в Лувр сезонным рабочим. Он был стекольщиком и изготовил защитный экран для великого полотна да Винчи. Как выяснилось позже, он пришел в Лувр, когда в нем не было посетителей, снял картину со стены, вышел на боковую лестницу, где вынул ее из рамы, завернул в куртку и беспрепятственно вышел из музея.


В декабре 1913 г. флорентийскому антиквару пришло письмо из Франции с предложением купить "Джоконду" да Винчи. Антиквар предложил встретиться, и вскоре во Флоренцию прибыл молодой человек, заявивший о том, что решил вернуть на родину произведение итальянского искусства, похищенное французами. Антиквар провел экспертизу и, убедившись в подлинности картины, обратился в полицию.


Винченцо Перуджа не отрицал своей вины и признался в том, что совершил кражу с единственной целью – восстановление исторической справедливости. Он хотел вернуть итальянцам то, что принадлежало им по праву. И поскольку суд проходил во Флоренции, его аргументы возымели силу: преступника приговорили всего к одному году заключения. "Мону Лизу" еще полгода выставляли в музеях Италии, а затем вернули во Францию.
Всякий раз, когда Парижу угрожала оккупация, из Лувра эвакуировались самые ценные экспонаты. Первый раз, в августе 1870 г. шедевры вывезли в Брест, где на военном складе они хранились целый год. Во время Первой мировой войны четыре
вагона картин и скульптур вывезли в Тулузу, где их прятали в церкви; некото-рые картины тогда пострадали от сырости. В послевоенные годы из-за мирового экономического кризиса фонды музея пополнялись не слишком часто, если не считать щедрого пожертвования барона Ротшильда, который в 1930-х гг. завещал Лувру несколько тысяч гравюр, рисунков и иллюстрированных книг. Во время Второй мировой войны самые ценные экспонаты музея были эвакуированы в Шамбор, Валансэ и другие замки. В течение трех недель 20 грузовиков каждый день вывозили шедевры на юг Франции. Среди прочего была вывезена 3691 картина, в том числе и самые большие "Плот "Медузы" и "Брак в Кане". Сначала всё пряталось в замках и церквях; с 1943 года, опасаясь

Транспортировка Ники Самофракийской
Фото 1939 г.
бомбежек, скульптуры и полотна развезли по разным областям Франции. "Джоконда" хранилась в отдельном ящике и за время войны сменила пять мест.
В июне 1945 г. все экспонаты вернулись в Париж. Через два года Лувр был снова открыт для посещений; ни один шедевр не пропал, только один портрет был поцарапан гвоздем во время эвакуации.
После войны Лувр вернулся к выставочной деятельности, укрепляя за собой славу выдающегося художественного музея и одной из главных достопримечательнос-тей Парижа. Ежегодно Лувр посещает более 9 млн. человек. В музее – более
400 000 экспонатов, из них 35 000 экспонируются. Коллекции разделены на восемь разделов – восточные древности, египетские древности, греческие, этрусские и римские, исламское искусство, скульптура, живопись, предметы искусства и графическое искусство.
Современному музею из-за обилия экспонатов и наплыва туристов пришлось расширить свое выставочное пространство и обзавестись дополнительными галереями и музеями-спутниками в городах Ланс на севере Франции и Абу-Даби (ОАЭ).

Фонды ВГБИЛ располагают многочисленными
иллюстрированными изданиями и монографиями, посвященными Лувру, его истории и коллекциям


книги доступны для просмотра в библиотеке
Лувр
К. Пуйон
Лувр. Живопись
Г. Жеффруа
Лувр
Шедевры живописи Лувра
М. Серюлаз
Чудеса Лувра
В Лувре: путешествие в сердце живописи
К. Деруа, К. Лапорт
Европейская живопись в Лувре
М. Лаклотт
Лебрен в Версале
Каталог выставки
Флорентийские рисунки в стиле барокко в музее Лувра
Каталог выставки
Леонардо да Винчи
в Лувре
С. Беген
Живопись Рафаэля
в Лувре
С. Беген
Живопись Рембрандта
в Лувре
Ж. Фукар
Древнеримское искусство в Лувре
С. Жируар, Д. Роже
аа
Арль: раскопки на Роне
Каталог выставки
Ян Фабр в Лувре
ред. М.-Л. Бернадак
Лоуренс Гоинг (1918 - 1991) - известный английский художник и искусствовед, автор многочисленных исследований и книг по истории искусства.
Данное издание, включающая более 800 иллюстра-ций, впечатляет объёмом информации и в то же время является одной из самых доступных для понимания книг, посвященных собранию Лувра. Здесь рассказано о наиболее значимых картинах музея, представлено творчество мастеров француз-ской, итальянской, фламандской, голландской, испанской, английской национальных школ (свыше 800 произведений 413 мастеров).
Сопроводительный текст Л. Гоинга повествует об истории создания произведений, особенностях живописи разных периодов и стран, что пробуждает живой интерес читателя и зрителя.
Благодаря тесному сотрудничеству с хранителями Лувра автору удалось показать произведения,

Живопись Лувра
Л. Гоинг
редко демонстрируемые публике. Не имеющий аналогов по своей насыщенности, а также качеству великолепных иллюстраций, этот том является самым полным и прекрасным альбомом по луврскому собранию живописи.

Кавалер из Лувра
Ф. Соллерс
Доминик Виван, барон Денон (1747 - 1825) - гравер, египтолог-любитель и первый директор Луврского музея. Его жизнеописание сродни авантюрному роману. В молодые годы он снискал себе скандаль-ную репутацию любителя женщин, к тому же написал некий роман эротического содержания, который был запрещен цензурой. Из-за связи с маркизой Помпадур барон был изгнан королем за пределы страны и в течении 15 лет служил в дипло-матических миссиях в Швеции, Италии и России.
В результате революции 1789 г. Денон потерял всё: его имущество было конфисковано новой властью, а сам он был объявлен вне закона и вынужден был перебраться в Италию. В Италии он знакомится с Жаком-Луи Давидом, для которого гравировал рисунки. Благодаря его покровительству, а также при участии Жозефины Богарне, Денону удалось вернуться на родину и даже стать членом Академии живописи в Париже. В 1798 г. он сопровождал Наполеона в его египетском походе, где собрал много материалов о древнеегипетских памятниках,
после чего стал директором художественного департамента Института Египта в Каире, а по возвращении в Париж директором Императорского музея, как тогда назывался Лувр. Находясь в свите императора, Виван Денон исколесил вместе с ним всю Европу в поисках новых экспонатов для вверенного ему музея, приобретая их всеми правдами и неправда-ми (в большинстве случаев предметы искусства просто конфисковывались победителями в оккупированных странах). После падения империи барон снова лишился всех должнос-тей и званий, ушел на покой и посвятил себя своему давнему увлечению литографией (в том числе порнографической).
Филипп Соллерс, французский писатель и литературный критик - автор книги "Кавалер из Лувра: Виван Денон", в которой рассказывается об основных этапах непростой и полной драматизма жизни и деятельности этого человека, первого директора и хранителя Лувра.
В июле 1981 г., почти сразу после своего избрания, президент Франции Ф. Миттеран выступает инициа-тором программы по созданию современных памят-ников в Париже, которая была призвана подчерк-нуть исключительную роль Франции в искусстве, политике и экономике конца XX в. Эта программа получила название "Больших проектов" и по своим масштабам и амбициозности сравнивалась со строительными инновациями времен короля-солнца. Хотя некоторые из Больших проектов казались утопичными, даже бессмысленными, большинство из них в конце концов были реализованы. Отпугивая своей высокой стоимостью и чрезмерным гигантиз-мом, они одновременно привлекали новизной и оригинальностью. Самый известный из проектов - план реконструкции и расширения Музея Лувра, включающий строительство знаменитой Пирамиды - был заказан Миттераном в 1984 г. архитектору Бей Юй Мину. Президент лично проверял материалы, которые использовались при строительстве пирами-ды Лувра, от стеклянных панелей до стальных

Баталии Великого Лувра
Дж. Ланг
балок, что поразило архитектора. Согласно проекту, предполагалось полностью обно-вить здание от крыши до фундамента. 30 лет спустя успех предприятия превзошел все ожидания. Внешние изменения Лувра, в частности появление трех стеклянных пирамид во дворе старинного замка, повлекли за собой воистину гомеровские баталии, в которых противостояли друг другу влиятельные фигуры своего времени - политики, ученые, художники, архитекторы. Джек Ланг, в то время министр культуры Франции, принимал самое деятельное участие в событиях; в своей книге он, будучи одним из главных дейст-вующих лиц, раскрывает истинную историю этой политической и культурной саги.

Пункт назначения - Лувр. Руководство для семейных визитов
Ф. Морван
С чего начать начать знакомство с самым знаменитым музеем мира? Что посмотреть в первую очередь? В каком зале находится Джоконда? Как заинтересовать самых юных посетителей древней историей Египта и Рима? В лабиринте залов и галерей, который представляет из себя Лувр, непросто ориентироваться...
В книге Фредерика Морвана, специально предназначенной для семей с детьми, предлагаются девять оригинальных маршрутов по Лувру длитель-ностью от одного часа до двух. Каждый из них позволит выбрать что-то значимое и интересное из огромного разнообразия шедевров Лувра и в то же время не даст пройти мимо архитектурного богат-ства этого исторического памятника.
Текст книги построен в виде диалогов (вопросов и ответов), имеющих целью заинтересовать как самых маленьких посетителей музея, так и ребят постарше или их родителей.
Знаменитые музеи мира
Национальный музей Прадо
Мадрид, Испания
Прадо - один из крупнейших и значимых музеев европейской живописи, не уступающий по богатству собраниям Лувра и Эрмитажа.
Коллекции музея содержат более 11 тысяч произведений искусства, но выставочные пространства способны вместить только 2 тысячи из них.
В отличие от других знаменитых музеев, Прадо называет себя музеем творцов, а не
творений: владея богатой коллекцией предметов искусства, вместо слепого увеличения количества экспонатов специалисты музея отдают предпочтение расширению собраний самых достойных, по их мнению, мастеров.
История музея
Хотя первые посетители вошли в двери Прадо в 1819 г., его история началась намного раньше. В 1785 г. король Испании Карл III решил основать музей естественной истории. Работы по проектированию здания были поручены придворному архитектору Хуану де Вильянуэва, яркому представителю неоклассической школы, который до этого уже построил

Хуан де Вильянуэва
Франсиско Гойя, 1805 г.
несколько зданий для членов королевской фамилии. Высшее общество, пресыщенное вычурностью рококо и барокко, с одобрением отнеслось к новому творению Вильянуэва,
который ратовал за возвращение античных канонов - просто-ты, симметрии и монументальности. Здание будущего музея на площади Прадо со множеством колонн и сдержанным декором действительно производило впечатление античного храма. Однако музей так и не был открыт: в 1808 г. испанская королевская семья потеряла власть, и на престол взошёл Жозеф Бонапарт. Недостроенное монументальное здание привлекло его внимание, и он решил открыть в нём Музей живописи, но осуществить свое намерение не успел. После изгнания французов следующий король, Фердинанд VII, всё же основал в пустующем Прадо картинную галерею.
Он передал в распоряжение музея королевскую коллекцию живописи, которая собира-лась испанскими монархами на протяжении трех веков, и в 1819 г. состоялась торжествен-ная церемония открытия. Первая выставка занимала всего три зала, в которых размести-лось чуть более трехсот работ преимущественно испанских и фламандских мастеров, хотя в фондах музея уже тогда находилось свыше 1,5 тысяч произведений искусства.
Жемчужиной музея на тот момент были полотна Тициана — любимого художника короля.



На протяжении 10 лет коллекция нового музея формировалась за счёт приобретений королевской семьи. Позднее меценаты и состоятельные испанцы, следуя примеру короля, также стали жертвовать предметы из своих коллекций, и фонд Прадо стал очень быстро разрастаться. В годы карлистской войны 1833-39 гг. в Прадо были направлены собрания из различных дворцов в окрестностях Мадрида, в число которых входили и предметы искусства из Эскориала (монастырь и резиденция Филиппа II).
В 1869 г., в период так называемого "демократического шестилетия" Испании, музей Прадо был национализирован государством. В 1872 г. в фонд музея были добавлены коллекции упраздненного музея Тринидад, в котором несколько десятилетий хранились ценности и произведения искусства, конфискованные у монастырей. После слияния коллекций учреждение получило название Музей живописи и скульптуры, и только в мае 1920 г. оно было переименовано в Национальный музей Прадо.



К этому моменту фонды музея существенно увеличились за счет новых приобретений и частных пожертвований, в связи с чем здание музея уже перенесло несколько преобразо-ваний, за которыми последовали новые перестройки в 20-30-е годы.

П. Пикассо
В 1936 г. директором музея Прадо был назначен Пабло Пикассо, известность и авторитет которого помогли спасти основ-ную часть коллекции музея в годы Граж-данской войны, когда экспонаты удалось тайно эвакуировать в Женеву. Благодаря этому ни один из них не пострадал.
В послевоенные годы музей вновь перенес ряд расширений, а также со временем получил в распоряжение два отдельно стоящих здания: Касон дель Буэн Ретиро (бывший бальный зал) и Салон де Рейнос (бывший музей оружия).
Самым необычным зданием музейного комплекса Прадо является так называемый Куб Монео, современное авангардное строение архитектора Рафаэля Монео. Его строительство было завершено в 2007 г., в результате чего музей получил самое крупное расширение выставочного пространства за всю историю существования. Благодаря этому сегодня общая площадь музея - 58 000 м² (это чуть меньше, чем выставочная площадь Эрмитажа). Открытие корпуса Монео позволило музею оборудо-вать 4 новых зала для временных выставок, конференц-зал и лекционные аудитории, рестораны, магазины, кассы. Через него сейчас осуществляется вход в музей. Оба корпуса соединены между собой подземными переходами, облагороженными сверху зеленью в духе садов XVIII века.
Коллекции Прадо
Испанская живопись
Большую часть экспозиции музея составляют произведения испанских мастеров XI-XIX вв. По картинам из коллекции Прадо можно проследить эволюцию испанской школы от средневековых фресок до Ренессанса и реализма. Испанское искусство времен раннего Средневековья представ-
лено в основном эскизами. Испанская готика представлена в Прадо работами Бартоломе Бермехо и Фернандо Гальего. Приметы наступающего Ренессанса появляются в работах таких художников, как Педро Берругете и Фернандо Яньеса де ла Альмедины, который обучался в Италии и многое почерпнул от стиля Леонардо да Винчи.
Благословение христа
Фернандо Гальего, 1494-96 гг.
Св. Доминик
на аутодафе
Педро Берругете, 1500 г.
Святая Екатерина
Ф. Яньес де ла Альмедина, 1510 г.
Испанский стиль, главными чертами которого является суровость, мрачность и глубокая эмоциональность, начал складываться в период маньеризма XVI в. («Снятие с Креста» Педро Мачуки, мадонны Луиса де Моралеса). Нарочито удлиненные человеческие фигуры на полотнах Моралеса были заимствованы позднее Эль Греко (1541-1614), чьи работы объединяют византийские и западноевропейские традиции в живописи. Несмотря на то, что многие из его шедевров находятся в Толедо, в Прадо хранится солидное собрание его работ, в том числе последняя картина художника "Поклонение пастухов".
Снятие с креста
Педро Мачука, 1520 г.
Мадонна с младенцем
Луис де Моралес, 1565 г.
Поклонение пастухов
Эль Греко, 1612-1614 гг.
"Золотой век" испанской живописи представлен в Прадо шедеврами таких мастеров, как Франсиско Рибальта (1565-1628), Хосе де Рибера (1591-1652), Франсиско де Сурбаран (1598- -1664), Диего де Веласкес (1599 - 1660), Эстебан Мурильо (1617-1682). Для данного периода испанской живописи характерна концентрация внимания на человеке с исключением других пластов восприятия реальности. Это вело к слабому развитию пейзажа и своеоразному развитию бытового жанра. Изображение человека при этом ограничивалось, по большей части, религиозной тематикой, и единственным светским жанром, который поощрялся, был портрет.
Св. Бернард, обнимающий Христа
Франсиско Рибальта, ок. 1626 г.
Кающаяся Мария Магдалина
Хосе де Рибера, 1641 г.
Непорочное зачатие
Франсиско де Сурбаран, ок. 1630 г.
Легендарный Веласкес считается одним из мастеров универсальной живописи.
В начале творческой жизни он посвящал свои картины жизни бедных людей. Это были бытовые сценки из народной жизни, в изображении которых художник показал себя великолепным наблюдателем. Известно около 20 работ того периода, из которых до наших дней сохранилось только девять.

Фрейлины
Д. Веласкес, 1656 г.
Веласкесу было всего 24 года, когда его, уже известного портретиста, заметил король Филипп IV. Художник написал портрет короля (не дошедший до наших дней), который настолько впечатлил Филиппа, что Веласкес был назначен при-дворным живописцем. На этой должности он оставался до самой смерти. Являясь одной из самых значимых фигур своего времени, он оставил после себя множество полотен - парадные портреты членов королевской семьи, картины на религиоз-ные и мифологические сюжеты.
В музее Прадо представлены выдающиеся работы Веласкеса - такие, как «Менины» ("Фрейлины"), «Пряхи» и «Портрет короля Филиппа IV», в общей сложности — 78 полотен. Прадо принадлежит почти поло-вина всех картин Веласкеса, которые известны на сегодняшний день.
Младший современник Веласкеса, глава севильской школы Эстебан Мурильо (1617-
-1682) - один из самых плодовитых художников эпохи - оставил после себя обширную коллекцию картин. Всего произведений Мурильо, по разным источ-никам насчитывается от 450 до 481; самая крупная экспозиция принадлежит Прадо. Содержание их в основном религиозное. Значительную группу среди них составля-ют полотна, посвящённые прославлению Богоматери. Но религиозная направлен-ность, тем не менее, не помешала художнику придать библейским сюжетам реалистические, национально-испанские формы. Мурильо писал также и жанровые

Дети с раковиной
Эстебан Мурильо, 1670 г.
сцены из севильской простонародной жизни, известные под названием «Уличных ребятишек» - детей, занятых едой, игрой в кости, счётом мелких монет, продажей фруктов и т. п.
Мировая слава к художнику пришла еще при жизни, его картины покупались очень хорошо, и в основном иностранцами, поэтому в настоящее время большинство произведений Мурильо находятся за пределами Испании.
Ключевой фигурой испанского искусства XVIII в. является Франсиско де Гойя (1746 - 1828), творчество которого освещено в экспозициях музея Прадо очень полно и разносторонне, от гобеленовых досок для Королевской мануфактуры до собрания картин, рисунков и личных писем. Его творчество - такое же самобытное и противоречивое, как его бурная жизнь. В нем есть всё - свет и радость, ужас и уродство, смех и болезнь, низость и величие. Раннее творчество Гойи представлено насыщенными

Победоносный Ганнибал бросает с Альп первый взгляд на Италию
Франсиско де Гойя, 1771 г.
по цвету произведениями непри-
нужденной композиции, изобра-жающими сцены повседневной жизни простых людей и народных праздников. Произве-
дения первых десятилетий творчества ничем не предрекают рождение прославивших его темных миров, населенных фантастическими чудовищами, ведьмами и демонами. Он долгие годы создает милые незатейли-вые произведения в духе фран-цузского рококо. В 80-е годы он обращается к традициям
почитаемого им Веласкеса и Эль Греко, получает известность как портретист и становится придворным художником. Спустя 5 лет, в 1786 г. он, как и Веласкес - первый придворный живописец испанского короля. Его главное произведение в этом качестве - парадный портрет Карлоса IV с семьей, который стал по сути интерпретацией "Менин" Веласкеса. Лица членов монаршей фамилии, выступающие из полумрака, лишены привлекательности и более всего напоминают злую карикатуру. Тем не менее, портрет был принят заказчиками и отнюдь не стоил художнику королевского расположения.
Гойя сохранил должность. Он продолжает получать заказы из дворца. Например, для первого министра, принца Годоя, он пишет знаменитых Мах - "Маха одетая" и "Маха обнаженная". Легенда связала их с именем герцогини Альбы, особы настолько же знатной, насколько бесшабашной. В насто-ящее время большинство искусствоведов склоняется к версии, что на картинах изображена Пепита Тудо, возлюбленная и будущая жена принца Годоя.
В 1808 г. "Маха обнажённая" была конфис-кована инквизицией вместе с другими картинами "сомнительного содержания". Гойе были заданы вопросы об обстоятель-ствах ее создания, но никакого наказания не последовало, так как влияние инквизи-ции к началу XIX в. значительно ослабло.


Колосс
Франсиско де Гойя, 1810-1825 гг.
Характер искусства Гойи еще более меня-ется с началом бурных 90-х годов, когда политические потрясения усугубились
тяжелой болезнью художника, в результа-те которой он утратил слух. Именно в это время рождается Великий Гойя - мрачный гений испанского романтизма.
В 1808 г. наполеоновские войска вторглись в Испанию, и началась долгая и кровопро-литная война с захватчиками, которая затем переросла в гражданскую. Ужасы войны находят отражение в живописи и графике Гойи этого периода. Жизнеутвер-ждающее начало его работ сменяется глу-бокой неудовлетворённостью, утончён-ность светлых оттенков — резкими столк-новениями тёмного и светлого. Трагизм и мрак, поглощающий фигуры, всё чаще царят в его живописи.
Изображение разнообразных проявлений зла и насилия, образы несправедливости и страданий, несмотря на очевидную гротескность подачи, отражали реальные переживания и самого Гойи, и лучшей части испанского общества, не способной отстоять страну в период французской оккупации и последующей реакции.
Итальянская живопись
Великолепная коллекция венецианской живописи - одно из главных отличий Прадо от других европей-ских музеев, поскольку это самое представительное собрание работ этой школы за пределами самой Венеции. Эта коллекция собрана за долгие века крепких связей, установившихся между испанскими
монархами и самыми выдающимися венецианскими художниками. Произведения венеци-анцев, прежде всего Тициана, который писал на заказ для Карла V и Филиппа II, и соста-вили основу коллекции, положившей начало музею. Сегодня в собрании Прадо около
40 работ Тициана.
Празднество Венеры, ок. 1518-1519 гг.
Вакханалия, 1523-1526 гг.
Император Карл V в сражении при Мюльберге, 1548 г.
Святая троица, 1551-1554 гг.
Мать Скорбящая, 1554 г.
Венера и Адонис, 1554 г.
В XVII в. Филипп IV по совету Веласкеса с увлечением собирал картины представи-телей венецианской школы. Вслед за Тицианом здесь появились и другие венецианцы — Тинторетто и Веронезе. Филипп IV пытался также восполнить пробелы и приобрел несколько работ итальянских живописцев других школ эпохи Возрождения. Так в коллекции появились работы Рафаэля, Пармиджано, Корреджо, Боттичелли, Мантеньи и др. Особенно много ценных итальянских полотен привез Веласкес из своего путешествия в Италию. В последующие периоды испанские монархи неоднократно приглашали итальянских мастеров, которые становились придворными живописцами; их произведения также пополнили коллекцию будущего музея
(Л. Джордано, К. Джакуинто, Я. Амигони, Дж. Тьеполо).
Мадонна с младенцем
и святой Иоанн
А. да Корреджо, ок. 1516 г.
Святое семейство,
или жемчужина
Рафаэль, ок. 1518 г.
Вельможа
с золотой цепью
Тинторетто, ок. 1550 г.
Нахождение Моисея
П. Веронезе, 1560-1575 гг.
Портрет художника А. Сакки
К. Маратта, ок. 1661-1662 гг.
Непорочное зачатие
Дж. Тьеполо, 1767-1769 гг.
Фламандская живопись
Своей богатой коллекцией произведений фламандской школы музей Прадо обязан тому, что провинции современных Бельгии, Нидерландов и Люксембурга более полутора веков принадлежали испанской короне. По этой причине многие фламандские художники работали в Испании.
Король Филиппа II весьма интересовался живописью ранних фламандцев. Он приобрел крупнейшие работы важнейших живописцев из плеяды Р. Ван дер Вейдена и И. Босха , а также более поздних художников. Кроме того, многие из мастеров работали при дворе для самого монарха, например, портретист Антонис ван Дасхорст. Поэтому в музее представлено творчество самых выдающихся представителей этой школы.
Обручение Девы Марии
Р. Кампен, ок. 1420 г.
Пейзаж с искушением Святого Антония
И. Патинир, ок. 1520-1524 гг.
Оплакивание Христа
Р. ван дер Вейден, ок. 1450 г.
Центральная часть триптиха Воз сена
И. Босх, ок. 1515 г.
Мария Тюдор,
королева Англии,
вторая жена Филиппа II
А. ван Дасхорст, 1554 г.
После отделения Северных Нидерландов и провозглашения Голландской респуб-лики в 1581 г. под властью Испании по-прежнему оставались Южные Нидерланды, поэтому фламандская живопись XVII в. также была богато представлена в Королевской коллекции. В первую очередь это касается произведений П. Рубенса (1577- 1640), любимого художника Филиппа IV. Рубенса нередко называют "королем музея", ведь в Прадо хранится 90 картин этого прославленного живописца.
Особую популярность в XVII в. получает так называемая "кабинетная живопись" - картины небольшого размера для украшения домашнего интерьера. Это могли быть пейзажи, небольшие аллегории, натюрморты или бытовые сцены. Чаще всего художники специализировались на каком-либо одном из этих жанров, но иногда собирались группой и вместе писали какую-либо картину. Один из наиболее значитель-ных авторов, работавших в этом формате - Ян Брейгель (1568 - 1625), получивший прозвище Брейгель «Бархатный» за изящество и красоту своей живописи. Им написано невероятное количество картин, и в музее Прадо представлены образцы всех жанров его живописи.
Французская живопись
На протяжении XVI и XVII веков Испания и Франция находились в ситуации постоянного конфликта, что затрудняло связи в области искусства. К тому же, в этот период живописные пристрастия по обе сторо-ны Пиренеев не совпадали. Тем не менее, XVII век был ознаменован династическими браками -
испанские принцессы Анна и Мария Тереза вышли замуж за французских монархов. В результате традиционного обмена портретами в Испании появились первые работы французских художников. Позже стали поступать и другие произведения французской школы, присланные в качестве подарков или специально купленные по заказу испанских королей. Так в Испанию попали картины П. Миньяра, Н. Пуссена, К. Лоррена и др.
В целом, поступлений было очень мало, и только после создания музея Прадо была сделана попытка восполнить пробелы.
Парнас
Н. Пуссен, ок. 1631-1633 гг.
Праздник в парке
А. Ватто, ок. 1715 г.
Отплытие св. Паулы из Остии
К. Лоррен, 1639-1640 гг.
Колизей в Риме
Ю. Робер, 1780-1790 гг.
Маркиза Хосефа Мансанедо
Ж.-Л.-Э. Мейсонье, 1872 г.
Немецкая живопись
XVI - XVII вв. отмечены тесными связями испанской монархии со Священной Римской империей
германской нации. И тем, и другим государством правили две ветви одной династии Габсбургов. Но несмотря на родственные связи, немецкие картины в испанской Королевской Коллекции были редкостью.

Автопортрет
А. Дюрер, 1498 г.
Немецкие работы приобретались очень выборочно, вследствие чего живопись Германии и стран центральной Европы по сравнению с другими школами присутствует в собрании музея Прадо гораздо в меньшем масштабе, отличаясь однако высоким качеством. Лучше всего в этом разделе представлен период Возрождения (живопись А. Дю-рера, Л. Кранаха, Х. Бальдунга).
Немногие музеи являются обладателями четырех бесспорных шедевров Альбрехта Дюрера (1471 - 1528). Этот выдающийся представитель западно-европейского Возрождения был также теоретиком искусства, автором практического руководства по изобразительному и декоративно-прикладному искусству на немецком языке, пропагандировавшим необходимость разностороннего развития художника.
XVII век представлен в основном произведениями немецких художников, творивших в Италии
(А. Эльсхеймер, Ф. П. Роос, Б. Стробель).
С 1761 по 1769 г. в Испании работал Антон Рафаэль Менгс (1728 - 1779), самый значительный представи-тель раннего неоклассицизма в европейской живописи. Художник, при жизни удостоенный международной славы, Менгс считался
современниками вторым Рафаэлем.
Он был приглашен в Мадрид для работы при дворе и в резиденциях испанского короля. Этим объясня-ется наличие довольно большого (почти 40) собрания полотен этого автора в Прадо. В основном это портреты представителей правящей династии, но есть и крупные работы на религиозные сюжеты.

Поклонение пастухов
А. Р. Менгс, 1770 г.
Английская живопись
Английская живопись представлена в Прадо скром-нее всего. Малочисленность картин английских художников связана с политическими обстоятельст-вами. Победа Реформации и полное отделение англиканской церкви от Рима в XVI в. осложнили отношения между двумя странами.
Но в XVIII в. испанская аристократия начинает путешествовать в Англию, и английские влияния проникают в испанскую живопись (например, Уильям Хогарт повлиял на гравюры Ф. Гойи). В английской коллекции Прадо есть очень ценные экспонаты, в основном приобретенные музеем в XX в. Это работы Джошуа Рейнолдса (1723 - 1792) , Томаса Гейнсборо (1727 - 1828) и Томаса Лоуренса (1769 - 1830).
Портрет Джеймса Бурдье
Дж. Рейнолдс, 1756 г.
Портрет Роберта Батчера
Т. Гейнсборо, 1765 г.
Портрет Марты Карр
Т. Лоуренс, ок. 1789 г.

Книги из фондов ВГБИЛ познакомят вас
с историей музея Прадо и его коллекций, шедеврами европейского искусства и их авторами


книги доступны для просмотра в библиотеке
Испанская живопись с 1600 г. до Гойи: натюрморты и цветы
Каталог выставки
Коллекции живописи
в музее Прадо
В. Иванова, К. Прашков
Музей Прадо
Музеи Мадрида.
Т. 1: Музей Прадо
История музея Прадо
(1819 - 1976)
Х. А. Гайя Нуньо
Веласкес в Прадо
Э. Лафуэнте Феррари
Музей Прадо: испанская живопись
Прадо: живопись
Прадо, Мадрид
Иллюстрированное французское издание "Музей Прадо" подготовлено хранителем нью-йоркского музея Метрополитен Гарри Велом и Франсиско
Х. Санчесом Кантоном, занимавшим пост директора Прадо в 1960 - 1968 гг.. В альбоме опубликовано более 120 иллюстраций. Пояснительный текст содержит подробную информацию об истории музея Прадо, о формировании его коллекций живописи, о монархах и коллекционерах, способст-вовавших превращению Прадо в музей с мировым именем. Каждая иллюстрация сопровождается изложением обстоятельств создания картины, анализом особенностей живописи художников, искусствоведческой оценкой.

Музей Прадо

Прадо
А. Э. Перес Санчес
Автор иллюстрированного альбома "Прадо", выпущенного в серии "Крупнейшие музеи мира" - профессор Альфонсо Эмилио Перес Санчес, извест-ный историк искусства, специалист в области барокко. В период с 1983 по 1991 г. , будучи директо-ром Прадо, он осуществлял модернизацию музея, в ходе которой были созданы новые залы, посвящен-ные Веласкесу и Гойе, отреставрирован ряд полотен этих художников, открыты конференц-зал и учебные помещения.
При работе над альбомом автор руководствовался желанием представить читателю общую картину исторического развития живописи на материале фондов Прадо. Предваряет альбом вступительная статья об истории музея и формировании его собрания живописи. Есть также развернутые описания испанской, итальянской и голландской коллекций.
Знаменитые музеи мира
Лондонская национальная галерея
Лондон, Великобритания
Лондонская национальная галерея входит в пятерку самых посещаемых художествен-ных музеев мира и обладает одним из лучших собраний западноевропейской живописи. Здесь представлены полотна практически всех великих художников, а также все школы европейской живописи.
На сегодняшний день в галерее хранится около 2500 картин, которые относятся к периоду XIII - XX вв. Все работы в галерее экспонируются в хронологическом порядке.
Открытие Национальной галереи в Лондоне состоялось 11 мая 1824 г., о чем в газете «Тайм» была напечатана короткая заметка. Жителей города оповещали об открытии для публичных посещений Национальной галереи живописи в доме
№ 100 по улице Пэлл-Мэлл. Основой коллекции стали картины из собрания одного из богатейши хлюдей Англии, известного банкира русского происхождения Джона Дж.
Ангерштейна. Его коллекция была хорошо известна в стране. На момент смерти владельца в ней насчитывалось 38 прекрасных полотен, среди которых были работы Тициана, П. Рубенса, К. Лоррена, Дж. Рейнолдса, Д. Уилки.
Картины были предназначены для аукциона и могли быть проданы иностранцам. Чтобы не допустить потери коллекции, как это уже случалось раньше, известный портретист Томас Лоуренс и художник-любитель Джордж Бомонт обратились к премьер-министру с просьбой рассмотреть возможность приобретения картин для государства и учрежде-ния национальной галереи. 23 марта 1824 г. парла-мент выделил 57 тыс. фунтов стерлингов для приоб-ретения коллекции Ангерштейна; ещё 3 тыс. фунтов предполагалось передать галерее на организаци-онные вопросы.
Первым помещением для созданной таким образом Национальной галереи стал особняк Ангерштейна. Вскоре после открытия её фонд пополнился ещё одной коллекцией из 16 полотен. Ее передал в дар Джордж Бомонт, который ратовал за её открытие.

Сэр Дж. Бомонт, 7-ой баронет
Т. Лоуренс
В 1831 г. в коллекцию попали 34 картины, которые завещал музею после своей смерти крупнейший английский коллекционер У. Холуэлл-Карр. Он собирал свою коллекцию с помощью агентов, занимавшихся покупкой картин по всей Европе. Среди них были настоящие шедевры кисти Тинторетто, Андреа дель Сарто, Тициана, Рембрандта.
Из-за роста числа экспонатов встал вопрос о необходимости нового выставочного пространства. К тому же многие коллекционеры готовы были отдать часть своих коллекций, если у галереи появится подходящее помещение. Было принято решение строить Лондонскую национальную галерею на Трафальгарской площади на месте бывшей конюшни короля. Проектом занимался известный архитектор У. Уилкинс, который смог украсить здание восемью колоннами, оставшимися от бывшей конюшни. Работы начались в 1831 г., и через семь лет галерея была торжественно открыта для публики.
В 1836 г. был издан первый каталог всего собрания в двух томах, в которых были даны гравированные воспроизведения всех 114 картин с подробным описанием каждой из них. В 30-40 гг. за счет даров частных коллекционеров количество полотен в галерее увеличилось более, чем вдвое. А после смерти Уильяма Тёрнера в 1851 г. по завещанию художника в фонд музея перешло 300 его картин и 19 тысяч рисунков и акварелей.

Улисс насмехается над Полифемом
У. Тёрнер, 1829 г.
Помимо даров, Лондонская национальная галерея пополняется и за счет собствен-ных приобретений полотен европейских мастеров.
В 70-80 гг. XIX в. среди многочис-ленных приобретений музея - "Венера и Марс" Боттичелли, "Мадонна Ансидеи" Рафаэля, "Послы" Г. Гольбейна-младшего, "Конный портрет Карла I" Ван Дейка, и другие.



Картины Гольбейна-мл. и Рафаэля в Лондонской галерее
Из-за постоянного увеличения количества картин музей постепенно расширяется и перестраивается. Так, в 1869 г. галерея получила пять новых залов, в 1876 появи-лась пристройка к галерее Барри в вос-точном крыле. В 1991 г. на пожертвования коллекционера С. Сейнсбери и его братьев строится еще одно крыло галереи («Крыло Сейнсбери»). Строительство началось в январе 1990 г. на месте, где ранее распола-гался универмаг, разрушенный во время Второй мировой войны. Уже через год
состоялась торжественная церемония открытия нового корпуса при личном присутствии королевы Елизаветы II.

Крыло Сейнсбери
Современное фото
Узнать больше о Лондонской национальной галерее и ее коллекциях живописи вам помогут книги из фондов ВГБИЛ
книги доступны для просмотра в библиотеке
Французская живопись XVII века
Х. Вайн
Лондонская национальная галерея
Ф. Хенди
Краткая история национальной галереи
М. Ливи
Ранняя нидерландская школа. Каталог
М. Дэвис
Национальная галерея картин великих мастеров
Фламандская школа
1600 - 1900 гг. Каталог
Г. Мартин
Шедевры западноевропейской живописи XVI-XIX веков
Шедевры Лондонской национальной галереи
Шедевры европейской живописи в Лондонской национальной галерее
Лондонская национальная галерея
П. Х. Файст
Национальная галерея
Лондона
Лондонская национальная галерея

Сокровища живописи в Лондонской национальной галерее
Ф. Хенди
Лондонская национальная галерея - уникальный художественный музей, в котором представлены все мировые школы живописи, начиная с фламандских примитивистов и заканчивая французскими импрессионистами. Автор книги - Филип Хенди, занимавший должность директора галереи с 1946 по 1967 г. - представляет всемирно известный музей в разных аспектах. Он описывает историю возник-новения галереи, рассказывает о частных коллек-циях, которые в разное время были включены в собрание, и о самостоятельных приобретениях музея, а также дает исторические справки относи-тельно всех произведений, описанных в книге. Монография выпущена в серии "Сокровища великих музеев" и содержит 340 иллюстраций (из них 107 - цветные).
Виктор Пасмор (1908 - 1998) - британский художник и архитектор, один из первых приверженцев абстрактного искусства в Великобритании 40-50-х годов. Он часто повторял, что выдающиеся произве-дения прошлого обладают непреходящей ценнос-
тью потому, что несут в себе особый, "независимый" дух, присущий всему великому, что позволяет им, спустя века и тысячелетия, не только быть поняты-ми, но и восхищать многие поколения современных людей.
"Глазами художника" - каталог выставки полотен Лондонской национальной галереи, подготовленной Виктором Пасмором и проходившей в июле-октябре 1990 г. Художник отобрал для экспозиции произве-дения, которые, по его мнению, обладают тем самым независимым, революционным началом, благодаря

Глазами художника
В. Пасмор
которому они не потеряли привлекательности для современного зрителя. Каждая из 23 иллюстраций каталога сопровождается комментарием В. Пасмора, в котором он аргументирует свой выбор и рассказывает о том, в чем, по его мнению, заключается новаторство того или иного шедевра.




Лондонская галерея - обладатель богатейшего собрания живописи, которое включает в себя произведения мастеров различных школ - от готики до постимпрессионизма.

Лондонская национальная галерея
Х. Поттертон
Хоман Поттертон, работавший несколько лет хранителем галереи, посвятил книгу обзору уникальной коллекции. Книга содержит многочис-ленные иллюстрации и рассказывает о произведе-ниях выдающихся художников основных школ и эпох - Боттичелли, Леонардо, Микеланджело, Тициана, Эль Греко, Рубенса, Рембрандта, Вермеера, Ватто, Гейнсборо, Констебля, Тёрнера, Дега, Сезанна, Климта. Говоря об истории некоторых картин, автор приводит сравнительные иллюстра-ции, предварительные рисунки и наброски художников, рентгеновские фотографии полотен.
Вступительная часть книги разделена на две части: первая рассказывает об истории формирования коллекции галереи; вторая посвящена описанию компонентов живописных полотен (дерево, холст, краски, лаковое покрытие), а также технике очищения, реставрации и консервации экспонатов. Книга содержит полный каталог картин Лондонской галереи (2044 экз.) на 1977 г.
Знаменитые музеи мира
Дрезденская картинная галерея
Дрезден, Германия
Дрезденская картинная галерея (Галерея старых мастеров) - часть архитектурно-музейного комплекса Цвингер, расположенного в историческом центре Дрездена, столицы Саксонии. Помимо галереи комплекс включает в себя Физико-математический салон, собрание фарфора и собрание скульптур.
Дрезденская галерея выделяется в ряде других ключевых европейских музеев в первую очередь тем, что предлагает посетителям собрание лишь классических произведений живописи XV - XVIII вв. Такая узкая специализация - главный плюс этого музея.
История музея
История Дрезденской галереи началась задолго до ее офи-циального открытия. В 1560 г. курфюст саксонский Август распорядился создать "кунсткамеру" - универсальное собра-ние всякого рода редкостей и природных диковинок, меха-низмов, драгоценной посуды, украшений, старинных монет, а также картин итальянских и фламандских художников,
которые составляли меньшую часть коллекций. Среди живописных произведений здесь преобладали картины религиозного содержания и династические портреты. Системати-чески же собирать произведения мастеров Возрождения и барокко стал курфюрст Август II Сильный (1670 - 1733), который слыл ценителем искусств. В 1722 г. собрание живописи (1995 картин) было выделено из состава кунсткамеры. По приказу курфюрста
его выставили на обозрение придворной знати в перестроенном здании конюшни.
В последующие годы Август II и его преем-ник через своих многочисленных агентов, среди которых были настоящие специа-листы в области искусства, покупали отдельные полотна и целые собрания - всё лучшее, что появлялось на аукционах Парижа, Рима, Амстердама, Праги и других городов Европы. Так были приобретены коллекции Валленштейна, полотна из императорской коллекции в Праге, 100 картин из собрания герцога Франческо д'Эсте, среди которых были работы
Тициана, Гольбейна, Веронезе, Корреджо, Рубенса, Веласкеса и других прославлен-ных мастеров. Но самой большой удачей, несомненно, явилось приобретение
в 1754 г. у монастыря святого Сикста в Пьяченце шедевра Рафаэля "Сикстинская мадонна", жемчужины Дрезденской галереи.

Фредерик Август II, курфюрст Саксонии и король Польши
Л. де Сильвестр

Памятник Г. Земперу в Дрездене
Современное фото
В 1831 г. художественные коллекции были национализированы и стали общедоступ-ными, в связи с чем возникла необходи-мость создания специального помещения для музея. В 1838 г. выдающийся архитек-тор Готфрид Земпер разработал проект здания в стиле неоренессанса. По настоя-нию властей ему пришлось вписать галерею в барочный ансамбль Цвингера, знаменитый дворцовый комплекс в центре Дрездена. В итоге построенные Земпером Королевский оперный театр и Картинная галерея вместе с Цвингером, Придворной церковью и Замком-резиденцией составили целостный и выразительный
архитектурный комплекс.
В 1849 г. в Дрездене началась революция. Земпер был участником восстания и после его подавления бежал в Лондон. Строи-тельство было завершено уже без его участия.
В момент открытия галереи в 1855 г. в ней насчитывалось 2200 полотен. Коллекции
на тот момент пополнялись как произведениями старых мастеров, так и художников XIX – начала XX в. Из-за роста числа экспонатов в 1931 г. коллекция картин окончательно была разделена на новую живопись, переданную в другой музей, и старую (XV-XVIII вв.), которая осталась в Дрезденской галерее.
Во время Второй мировой войны галерея, как и весь город Дрезден, сильно постра-дали от варварских бомбардировок ВВС Великобританиии США: в феврале 1945 г.
город был практически весь разрушен. Серьёзные повреждения получило и зда-ние галереи Земпера. Большинство картин было заблаговременно вывезено в разные места и спрятано, но оставшиеся 300
полотен, в основном большого формата, уничтожил пожар. Судьба еще 450 картин собрания так и осталась неизвестна. Впоследствии спрятанные картины после долгих поисков были обнаружены совет-

Цвингер после бомбежек союзников
Послевоенное фото
скими войсками в близлежащих горных выработках и тайниках (всего - несколько десятков мест в окрестностях Дрездена). Все найденные полотна сильно пострадали от сырости, в том числе «Сикстинская Мадонна» Рафаэля, обнаруженная среди прочих шедевров в каменоломне близ города Пирна под Дрезденом. Поэтому вместе с бойцами Красной армии произведения искусства спасали также реставраторы, специально прибывшие из Москвы.

Вспоминает лейтенант в отставке, искусствовед Л. Н. Рабинович (Волынский), руководивший поисковыми работами:

Подъехали мы к старой шахте и остановились у глубокого, выгиба­ющегося дугой провала… Мы привя­зали веревку к ели, которая росла на самом краю провала… Держась за нее, поочередно опускались… Чем дальше мы шли, тем больше было воды, вскоре она уже хлопала по ногам. Нам казалось, что штольня не имеет конца. Наконец показался грязно-белый известняковый свод... Мы подбежали, разбрызгивая сапогами воду, и остановились ошелом­ленные. Впереди вдоль мокрых известняковых стен стояли и лежали картины. Здесь же были разбросаны, как попало, раскрытые цинковые коробки с патронами... Повсюду были видны следы поспешного бегства. Валялись молотки, два зазубренных шлямбура, бухта огнепроводного шнура и свежие известняковые осколки… Впрочем, взрывчатка здесь была уже излишня, для уничтожения картин было довольно и воды…
Картины были перевезены в Москву специальным составом и на протяжении 10 лет их тщательно и скрупулезно реставрировали в ГМИИ имени Пушкина, в Ленинграде и Киеве. В 1955 г. в ходе визита правительственной делегации СССР в ГДР по настоянию Хрущёва Дрездену были возвращены 1240 картин. В 1956 г. заново открылась часть галереи, построенной Земпером. В общей сложности восстановительные работы здания Дрезденской галереи продолжались в течении 19 лет и потребовали огромных вложений.
Шедевры Дрезденской галереи
Дрезденский алтарь
Триптих нидерландского живописца Яна ван Эйка (1390-1441) получил название "Дрезденский алтарь" (1437). Его размеры сравнительно небольшие - 33,1 х 27,5 см. Витрина, в которой он экспонируется, устроена так, что посетители могут рассматривать трехстворчатый алтарь со всех сторон, включая сцену благовещения на внешней стороне створок.
Потребовалось несколько столетий, чтобы доказать авторство шедевра. Некоторое время алтарь находился в коллекции английского короля Карла I. После его казни в 1649 г. полотна из принадлежавшей ему коллекции были распроданы английским правительст-вом и попали в руки различных европейских коллекционеров. В конце XVII в. картина числилась в собрании одного из коллекционеров в Кельне и создателем ее считался Губерт ван Эйк, старший брат Яна.
О появлении трехстворчатого алтаря в Дрездене свидетельствует запись в инвентарных списках Картинной галереи за 1754 г. Но там он обозначен как произведение А. Дюрера. Некоторое время спустя картину считали работой неизвестного мастера, затем ее вновь приписывали Губерту ван Эйку. Только в 1846 г., более чем через 400 лет после ее создания, было, наконец, установлено, что истинный автор этой прекрасной картины -
Ян ван Эйк. Этот факт подтвердился в 1958 г., когда советские реставраторы, вынув центральную часть триптиха из рамы, обнаружили надпись, сделанную художником крохотными буквами на латинском языке:
«Ян ван Эйк изготовил и закончил меня в году после рождения господа нашего 1437. Настолько хорошо, как умею».
Спящая Венера
Полотно венецианского художника Джорджоне (1477/78 - 1510), написанное в 1510 г., изображает прекрасную римскую богиню любви. Этот образ стал идеалом для многих последу-ющих поколений художников — Тициан, Рембрандт, Рубенс, Пуссен, Веласкес, Гоген, Мане и другие создавали своих Венер под впечатлением от этой картины.
Работа Джорджоне осталась незаконченной. Он успел написать фигуру Венеры и, возможно, скалу за ней, прежде чем скончался в Венеции от чумы в возрасте 34 лет. Картину заканчивал друг и ученик художника, Тициан, который написал пейзаж, небо, драпировки, на которых возлежит богиня, и Купидона у ее ног. Картину многократно переписывали и "обновляли", поэтому она находится в плохом состоянии и затруднитель-но в точности разделить вклад в картину Джорджоне и Тициана. Купидон, написанный Тицианом, позднее был удалён; следы его присутствия можно определить только при помощи инфракрасной съёмки.
Сикстинская мадонна
Одна из самых выдающихся работ Рафаэля, прославившая Дрезденскую галерею, была написана около 1512 - 1513 г. для алтаря церкви монастыря святого Сикста в Пьяченце по зака-зу папы Юлия II. По преданию, моделью для изображения девы Марии послужила возлюбленная Рафаэля, дочь пекаря Маргарита Лути, а изобразить ангелочков в нижней части
картины художника вдохновили деревенские дети, рассматривавшие витрину со сладос-тями в городской булочной. В образе святого Сикста изображен сам папа Юлий, а в образе святой Варвары - одна из его племянниц. Более двух столетий картина, висящая

над алтарем провинциального монастыря, не была широко известна. Но однажды ее обнаружили агенты правителя Саксонии, скупавшие для него произведения искус-ства по всей Европе. Курфюрст Август III несколько лет вел переговоры с папой Бенедиктом XIV, добиваясь разрешения купить и вывезти эту картину в Дрезден.
В его блистательной коллекции не было ни одного Рафаэля, а в Пьяченце было един-ственное полотно мастера, которое можно было попытаться купить. Наконец, в 1754 г. переговоры увенчались успехом. За карти-ну заплатили огромные деньги - 25 тысяч эскудо, что соответствовало 70 кг золота. Место картины над монастырским алтарем заняла качественная копия.
Согласно легенде, курфюрст приветство-
вал прибытие "Сикстинской мадонны" в
свою резиденцию словами: "Вот место, от-ведённое судьбой для великого Рафаэля!"
Он также велел передвинуть свой трон, чтобы созерцать Мадонну в наиболее выгодном ракурсе.
В 2012 г. отмечался 500-летний юбилей создания картины. К этой дате мастерами из Мюнхена была изготовлена вручную новая рама, а музейные работники подготовили выставку о жизни и творчестве великого художника.
Динарий кесаря
Известная картина великого Тициана (1488/90 - 1576) написана им ок. 1516 г. для герцога Феррары Альфонсо д'Эсте. Работа выполнена на деревянной доске, поскольку предна-значалась для украшения дверцы шкафа с коллекцией античных монет. В 1746 г. была куплена у семейства д'Эсте для дрезденского королевского собрания.
По всей видимости, сюжет картины был предложен заказчиком, избравшим слова Христа: "Воздайте Богу Богово, а кесарю кесарево" лозунгом в борьбе с римскими папами, пытавшимися вернуть давно уже утраченную власть над Феррарой.
На картине запечатлен момент, когда один из фарисеев, показывая Иисусу монету (динарий), спрашивает, нужно ли платить налоги римскому императору (кесарю)? Вопрос был с явным подвохом - любой ответ мог повлечь опасные последствия. Поэтому Христос предложил фарисею "отдать богу богово, а кесарю кесарево" (На древних монетах Рима практически всегда изображался портрет императора, а на другой стороне один из древнерим-ских богов). Фарисеи были потрясены
этим неожиданным ответом и в смятении удалились.

Портрет молодого человека
Период, к которому относится портрет, характеризуется как время полной художественной зрелости Дюрера (1471 - 1528), когда его интерес к портретному жанру был велик и он создавал произведения, в которых необычайно глубоко проникал в духовную сущность своих моделей. "Портрет молодого человека" – один из лучших в этом смысле.
Молодой человек на картине держит в ру-ке лист бумаги, на котором угадываются первые буквы его имени. Установлено, что это Берхарт фон Ризен, купец из Данцига: Дюрер сам записал в дневнике, что сделал его портрет и получил восемь флоринов.
Фон Резен был коллекционером произве-дений искусства и получил блестящее образование. В то время многие зажиточ-ные люди заказывали портреты А. Дюреру. Картина была выполнена в Антверпене, во время поездки художника в Нидерланды. Изображение занимает всю площадь дос-ки, причем шляпа с обеих сторон оказа-лась обрезанной. Темный цвет одежды концентрирует внимание на выразитель-ных чертах лица: резко очерченный подбородок, складки губ, спокойный и проницательный взгляд - всё это говорит о волевой и деятельной натуре.
К сожалению, Ризен, которому на момент создания портрета исполнилось 30 лет, умер от чумы всего несколько месяцев спустя, в октябре 1521 г.

Девушка с письмом
Картину нидерландского художника Яна Вермеера (1632 - 1675) относят к раннему этапу его творчества. Она была написана в 1557-1559 гг. Некоторое время её приписывали другим художникам. Принадлежность полотна Вермееру была окончательно установлена лишь в 1862 г.
В 1742 г. курфюрст Саксонии Август III приобрел картину,
ошибочно полагая, что она была написана Рембрандтом; в 1826 г. она была приписана Питеру де Хооху. Должным образом идентифицировать работу удалось лишь в 1880 г., когда французский искусствовед Т. Торе-Бюргер, исследовав полотно, признал его одним из редких произведений голландского художника и восстановил истинное авторство.
Для множества искусствоведов картина Вермеера несет в себе определенный символизм. Так, открытое окно символизирует желание девушки обрести свободу, а половинка персика на переднем плане - внебрачную связь. Следовательно, письмо является либо началом, либо продолжением романа. Еще одна, воистину сенсационная история связана с этой картиной. Дело в том, что рентгеновские снимки холста, сделанные в 1979 г.,
показали, что занавес в правом верхнем углу картины появился гораздо позднее и скрывает изображённого там изначально купидона. Возможно, причина такой корректировки скрывается в романтическом характере картины - купидон явно давал понять, что содержание письма молодой женщины носило любовный характер.
Вероятно, покупателя картины не устраивала столь откровенная для той эпохи сцена, поэтому решено было его закрасить. Повторные исследования 2009 г. подтвердили сенсационную догадку: в XVIII в. кто-то "подправил" картину Вермеера.
После того как верхний красочный слой аккуратно удалили скальпелем под микроско-пом, изначальный вид полотна был восстановлен. Почти все пространство стены за спиной героини занимает невидимая прежде картина с Купидоном, делая композицию более активной и насыщенной.
Автопортрет
с Саскией
В 1635 г. Рембрандт пишет автопортрет со своей женой Саскией, на котором они представлены героями библейской притчи, в образе блудного сына и куртизанки. Несмотря на сюжет, выбранный художником (согласно притче, юноша, уйдя из дома, расточает отцовское наследство в кутежах и распутстве), на самом деле в жизни было наоборот:

Рембрандт стал преуспевающим живопис-цем и приумножил состояние жены - неслучайно в его руке изображен бокал-флейта, символизирующий умеренность и добродетель. Время создания картины относится к самому счастливому периоду жизни Рембрандта, когда он добился популярности, количество заказов на его картины возросло, появились ученики.
На картине отражены его эмоции в период написания автопортрета – ликование
и счастье от недавней женитьбы на люби-мой. Существует версия, что первоначаль-но на картине были и другие персонажи, но потом Рембрандт решил оставить только себя и Саскию, и холст с левой стороны был обрезан самим художником.
Шоколадница
На одной из самых известных картин швейцарского художни-ка Жана-Этьена Лиотара (1702 - 1789) изображена молодая немецкая горничная, несущая на подносе чашку горячего шоколада. Картина была написана в 1743-45 гг. на листе пергамента темперой и выставлена в одной из галерей Венеции. Уже в следующем году ее купил для Дрезденского
собрания граф Франческо Альгаротти, доверенное лицо саксонского курфюрста. В сопроводительном письме граф написал: «Это самая восхитительная пастель из всех, которые я видел». Легенда о созда-нии этой пастели такова: австрийский аристократ князь Дитрихштейн зашёл в венскую кофейню, чтобы попробовать новый шоколадный напиток, о котором так много говорили в то время. Его официант-кой оказалась Анна Бальтауф, дочь обед-невшего дворянина. Князь был покорён её обаянием и, несмотря на возражения своей семьи, взял девушку в жёны. "Шоколадни-ца" стала свадебным подарком для новой княгини, заказанным у модного художника Лиотара. Портретист изобразил невесту в костюме официантки XVIII века, увекове-чив любовь с первого взгляда. Но это всего лишь красивая легенда. На самом деле личность модели не установлена.
Сегодня прелестная "Шоколадница" обра-щает на себя внимание креативной презен-тацией перед зрителями - ей отведен зал, при входе в который ощущается характер-ный аромат горячего шоколада.

Святое семейство
А. Мантенья, 1495 - 1500 гг.
Портрет мальчика
Б. Пинтуриккио, ок. 1500 г.
Портрет Шарля де Солье
Г. Гольбейн-мл., 1535 г.
Охота на вепря, фрагмент
П. П. Рубенс, 1615 -1620 гг.
Молитва святого Бонавентуры
Ф. де Сурбаран, 1629 г.
Портрет Хуана Матеоса
Д. Веласкес, ок. 1632 г.
Еврейское кладбище, фрагмент
Я. Рейсдал, ок. 1650-х гг.
Сводница
Я. Вермеер, 1656 г.
Мадонна с младенцем
Э. Мурильо, 1670 г.
О Дрезденской галерее и ее шедеврах читайте в книгах из фондов библиотеки
книги доступны для просмотра в библиотеке
Дрезденская галерея старых мастеров
М. Алпатов
Сикстинская мадонна:
500 лет шедевру Рафаэля
Беседы о Дрезденской галерее
Л. Арагон, Ж. Кокто
Путеводитель по Дрезденской галерее старых мастеров
Г. Маркс
Собрание картин Дрезденской галереи
Ю. Хубнер
Дрезденская галерея: старые мастера
Г. Рудольф-Хилле

Дрезденская галерея
М. Зейдевиц, Р. Зейдевиц
В настоящем переводе на русский язык объединены две книги Рут и Макса Зейдевитц, посвященные художественным сокровищам Дрездена. В первой части рассказывается о Дрезденской картинной галерее, во второй - о коллекциях драгоценностей и предметов прикладного искусства "Зеленых сводов" и других коллекциях Цвигера. Авторы рассказыва-ют о создании кунсткамеры саксонских курфюрс- тов, о процессе выделения из нее самостоятельных художественных музеев - картинной галереи, собрания оружия, нумизматического кабинета, кабинета гравюр и т. д. Особый интерес представля-ет изученная авторами история дрезденских собра-ний в период нацистской Германии. Ими были использованы многочисленные документы этого времени, сохранившиеся в архивах, а также свиде-тельства очевидцев.
Знаменитые музеи мира
Государственный Эрмитаж
Санкт-Петербург, Россия
Эрмитаж в Санкт-Петербурге - один из крупнейших и наиболее значимых художественных и культурно-исторических музеев мира, имеющий богатейшую историю. Экспозиция Эрмитажа, расположенная более чем в 350 залах, показывает развитие мирового искусства с каменного века до конца XX в., а количество экспонатов превышает три миллиона. Среди них свыше 8000 произведений живописи мастеров разных школ, собрание первобытного искусства и археологических культур, коллекции египетских и античных древностей.
Главный музейный комплекс Эрмитажа включает в себя шесть связанных между собой зданий, расположенных на дворцовой набережной - Зимний дворец, Малый и Большой (Старый) Эрмитаж, Новый Эрмитаж, Эрмитажный театр и здание Главного штаба (восточное крыло). В них открыты для посещения 365 залов. Также в распоряжении музея находятся Музей Императорского фарфорового завода, реставрационно-храни-тельский центр "Старая Деревня" и Меншиковский дворец. Общая площадь помещений Государственного Эрмитажа составляет 233 345 м², а экспозиционно-выставочная площадь — 100 000 м².
История музейного комплекса
В 1754 г. императрица Елизавета Петровна утвердила проект новой резиденции, предложенный ведущим архитектором русского барокко Бартоломео Франческо Растрелли. Это был уже пятый по счету зимний дворец, строящийся в Петербурге. Он должен был стать самым высоким жилым зданием в
столице.
Строительство дворца продол-жалось восемь лет, которые пришлись на закат царствования Елизаветы и краткое правление Петра III. Создание парадной резиденции, которая по замыслу императрицы должна была затмить своим великолепием дворцы европейских монархов, потребовало значительных денежных затрат и огромного числа рабочих. Около 4000 человек трудились на этой строительной площадке; здесь были собраны лучшие мастера со всей страны. Новое здание, по требованию Елизаветы, отлича-
лось высотой потолков и характерной для барокко пышностью декора – лепнины, скульптур, позолоты, драпировок из дорогих тканей. Фасад Зимнего дворца украсили два яруса колонн с золотой лепниной. Расстояния между колоннами разные – так архитектор, умело используя игру света и тени, создал сложный ритмический рисунок. Места на крыше заняли античные статуи и вазы, сюда же были водружены символы российской государственности. Зеленовато-голубыми фасады стали только в наше время; исторически стены были желтовато-песочные, позднее их красили в более насыщенные желтые и коричневые тона.
Однако полностью воплотить свой замысел в оформлении интерьеров архитектору не удалось. Осенью 1763 г., вернувшись из Москвы после коронационных торжеств, полновластной хозяйкой Зимнего дворца становится Екатерина II. Она потребовала внести изменения в первоначальный проект в соответствии с новой архитектурной
модой - стилем классицизм.
В 1764-75 гг. был построен Малый Эрмитаж, соединенный с юго-восточной частью Зимнего дворца. Свое название здание получило благодаря привычке Екатерины II устраивать здесь спектакли и увесели-тельные вечера — малые эрмитажи (от фр. hermitage - уединение). Здесь же размес-тились первые 317 картин из личной коллекции императрицы, положившие начало всемирно известному собранию живописи, а название Эрмитаж распро-
странилось на весь будущий музейный комплекс. Галереи, где были выставлены полотна, можно было посещать, но только избранной публике, по специальному разрешению. Тем не менее, 1764 год считается датой основания и открытия музея Эрмитажа.

Малый Эрмитаж
Современное фото

Большой (Старый) Эрмитаж
Современное фото
Ещё до окончания строительства эрмитажных галерей стало ясно, что это здание будет слишком мало для постоянно увеличивающейся коллекции. Поэтому
в 1771 г. было решено приступить к постройке Большого Эрмитажа. Он был выстроен в линию с фасадами Зимнего дворца и Малого Эрмитажа. Строительст-вом руководил Ю. Фельтен, которому удалось вписать новое здание с его лаконичным и строгим фасадом в ряд
уже существующих зданий, подчеркнув выразительность основного сооружения ансамбля - Зимнего дворца.
С 1783 по 1792 г. шло строительство знаменитых Лоджий Рафаэля - специальной крытой галереи, которая, по замыслу императрицы, должна была (с разрешения папы римского) повторить аналогичную галерею в Ватикане. Для ее возведения в Петербург был вызван знаменитый зодчий Джакомо Кваренги, который, перед тем, как покинуть Италию, произвёл обмер Ватиканской галереи. Ещё до начала строительства, группа художников под руководством австрийского живописца Х. Унтерпергера по заказу Екатерины II приступила к копированию фресок Рафаэля в галерее Папского дворца. Копии были выполнены на холстах и доставлены в Петербург.
Корпус лоджий был возведён вдоль Зимней канавки и примыкал под прямым углом к зданию Большого Эрмитажа. Впоследствии помещение полностью перестроили, и сейчас от его первоначального внешнего облика ничего не осталось. К счастью, при этом сами Лоджии остались прежними и по сей дней радуют взоры посетителей.
В начале Великой отечественной войны ради сохранения живописи было принято решение холсты не снимать; окна Лоджий закрыли специальными щитами. За всё время блокады, когда Ленинград нещадно подвергался бомбардировкам, Лоджии не получили никаких повреждений.
В 1833 г. Огюст Монферран по приказу императора построил в царской резиденции новые апартаменты. Считается, что архитектор совершил ошибку при проектировании системы отопления. Из-за нее в декабре 1837 г. во дворце случился грандиозный пожар, который не могли потушить двое суток. В результате, второй и третий этажи Зимнего дворца полностью выгорели. С большим трудом от огня удалось спасти Малый Эрмитаж. Восстановительные работы под руководством архитектора В. Стасова продолжались свыше двух лет и потребовали огромных затрат - как материальных, так и людских. Обновленный Зимний был точной копией старого дворцового комплекса - и внешне, и внутренне.




Эрмитажные коллекции стали открыты для широкой публики при императоре Николае I в построенном для этой цели здании Нового Эрмитажа. Новый Эрмитаж - первое здание в России, созданное специально для размещения художественных коллекций музея.
Для строительства здания в 1837 г. в Петербург был приглашен известный архитектор, построивший до этого здание Пинакотеки в Мюнхене - Лео фон Кленце, выдающийся знаток античности. Осуществление проекта Кленце было поручено архитекторам
В. Стасову и Н. Ефимову, которые связали здание с уже сложившимся архитектурным окружением.
Новому Эрмитажу присущи строгость и монументальность облика; входом в музей стал величественный портик с 10 фигурами атлантов, высеченными из серого гранита. Здание украшают статуи и барельефы, изображающие знаменитых художников, архитекторов и скульпторов прошлых эпох. Торжественное открытие перво-го в России публичного художественного музея состоялось 5 (17) февраля 1852 г.

Портик Нового Эрмитажа
Современное фото
С 1999 г. восточное крыло Главного штаба (архитектор - К. Росси) также включено в музейно-исторический комплекс Эрмитажа. В 2013 году завершилась полная реконструкция Восточного крыла здания, в котором разместились произведения западноевропейского искусства XIX—XX веков, а также проводятся временные выставки современного искусства.
История музейных коллекций
Начало Императорскому музею положила частная коллекция
Екатерины II, состоящая из 317 картин. Эту коллекцию импе-ратрице передал в 1764 г. в счет долга прусский купец
И. Гоцковский. В числе прочих туда входили полотна Рем-брандта, Рубенса, Ф. Хальса, ван Дейка и других мастеров, в основном голландско-фламандской школы XVII в.
Сейчас от первоначальной коллекции в Эрмитаже осталось 96 холстов.
В последующие годы коллекция активно пополнялась за счет приобретения собраний европейских коллекционеров. Так были куплены коллекции живописи саксонского министра Брюля, барона Кроза, лорда Уолпола, графа Бодуэна.
В результате в Эрмитаж поступили полотна Рембрандта, Рубенса, Рейсдала, ван Дейка, Рафаэля, Тициана, Джорджоне, Веронезе, Пуссена, Ватто, Шардена и др.
В посмертной описи имущества императ-рицы упомянуты 3996 картин. Таким образом, только за время ее царствования в России, где до этого не было ни одного сколько-нибудь значительного собрания живописи, появилась уникальная галерея. В дальнейшем покупались не только коллекции, но и отдельные произведения,

Екатерина II, основательница Эрмитажа
Портрет работы Ф. Рокотова, 1763 г.
например Александр I приобрёл "Лютниста" Караваджо (это его единственная картина в Эрмитаже). В XIX в., после приобретения коллекций голландского короля Вильгельма II и банкира У. Кузвельта появляется экспозиция, посвящённая нидерландскому и испанскому искусству. Много произведений появилось в коллекции при посредничестве посла во Франции Д. Голицына. Благодаря ему в Эрмитаже появились "Возвращение блудного сына" Рембрандта, "Юдифь" Джорджоне, "Вакх" Рубенса и другие шедевры.

Войска, вызванные Временным правительством, у Зимнего дворца
Фото 1917 г.
После революции 1917 г. Эрмитаж претерпел существенные пре-образования. Временное правительство объявило о нацио-нализации царских дворцов и образовало комиссию по приёмке ценностей Зимнего дворца;
часть художественной коллекции была перевезена в Москву.
12 ноября 1917 г. народный комиссар просвещения Луначар-
ский объявил Зимний дворец и Эрмитаж государственными музеями. С 1920 по 1941 г. наряду с Эрмитажем в Зимнем дворце размещается также Государст-венный музей Революции.
Эвакуированные в Москву художественные ценности были возвращены обратно в северную столицу, и экспозиции Эрмитажа стали постепенно открываться для публики. Музей значительно обогатился за счёт национализированных частных коллекций и собрания Академии художеств. Хронологические рамки коллекции значительно расширились благодаря работам импрессионистов, Сезанна, Ван Гога, Матисса, Пикассо и других художников новых направлений.
Вместе с тем, наряду с приобретениями имели место и потери. Бриллиантовая комната Зимнего Дворца была переведена в московский Кремль, послужив основой для Алмазного Фонда. Часть собрания живописи старых мастеров (в том числе некоторые работы Тициана, Кранаха, Веронезе, Рубенса, Рембрандта, Пуссена) была передана в московский музей им. Пушкина. Непоправимый урон собранию нанесли распродажи в 1929—34 гг., в результате которых 48 шедевров навсегда покинули Россию. Эрмитаж лишился единственного произведения Ван Эйка, лучших картин Рафаэля, Боттичелли, Хальса и других старых мастеров.



Во время Великой Отечественной войны основная часть собрания Эрмитажа (более 1,2 миллиона экспонатов) была эвакуирована в Свердловск. Подвалы Эрмитажа преврати-лись в бомбоубежища, в которых до 1942 г. постоянно проживали около двух тысяч человек - сотрудники музея и их семьи. В Зимнем дворце была укрыта часть не эвакуиро-ванных ценностей Эрмитажа, пригородных дворцов и различных учреждений Ленинграда. Ещё до окончания войны в залах музея начались восстановительные работы, а вскоре
после победы в город вернулись все эвакуированные ценности и Эрмитаж был снова открыт для посетителей. Ни один экспонат не был утерян за время войны, и лишь небольшую их часть потре-бовалось реставрировать. Сам Зимний дворец пострадал от обстрелов артиллерии и бомбар-дировок - в общей сложности в него попали 17 артиллерийских снарядов и две авиационные бомбы. 7 ноября 1944 г. дворец был частично открыт для посещения.

Экспонаты Эрмитажа во время блокады Ленинграда
Фото 1941 г.
Восстановление залов и фасадов дворца продолжалось долгие годы после войны.
По окончании войны в Эрмитаж поступило трофейное искусство из музеев Берлина, включая Пергамский алтарь и ряд экспонатов Египетского музея. В 1954 г. была организована выставка этих поступлений, после чего советское руководство приняло решение вернуть их обратно, в Берлин, что и было осуществлено в 1958 г.



В Эрмитаже представлены картины всех величайших художников Западной Европы. Целые направления в живописи (итальянское возрождение, французский импрессионизм) представлены настолько хорошо, что дают детальное представление об этих эпохах. Вместе с тем в других направлениях живописи отсутствуют некоторые ключевые произведения. Например, музей владеет всего одной картиной Франциско Гойи ("Портрет актрисы А. Сарате"), которая была подарена Эрмитажу в 1972 г. американским предпринимателем А. Хаммером, а в коллекции мастеров Северного Возрождения отсутствуют работы Ван Эйка, Мемлинга, Босха, Грюневальда, Гольбейна, Брейгеля, Вермеера. Также не представлена живопись У. Хогарта, У. Тёрнера, Д. Констебла и прерафаэлитов.
В целях предотвращения интенсивного размножения грызунов на территории Эрмитажа официально содержатся "эрмитажные коты". Каждый кот имеет собственный паспорт, ветеринарную карточку и официально числится квалифицированным специалистом по очистке музейных подвалов от крыс и мышей. Для котов созданы комфортные условия проживания - в подвалах всегда сухо и тепло, все помещения оборудованы маленькими проходами для свободы передвижения. У каждого кота (всего их 50) есть собственная мисочка, лоток и корзинка для сна. Всем им сделаны прививки, осуществляется регулярное ветеринарное наблюдение. Корм для животных приобретается на пожертвования посетителей, музейных работников и спонсоров. Главный хранитель эрмитажных котов отвечает за их благополучие. По словам директора музея М. Б. Пиотровского,
«коты — легенда эрмитажной жизни и её неотъемлемая часть»
Избранные шедевры Эрмитажа
Часть стелы Хоремхеба
Древний Египет, 3-я четверть XIV в. до н. э.
Золотой олень
Ст. Костромская, VI в. до н. э.
Статуя Юпитера
Неизвестный мастер, конец I в.
Мадонна Бенуа
Леонардо да Винчи, 1478-1480 гг.
Мадонна Литта
Леонардо да Винчи, 1480-1491 гг.
Мадонна с младенцем
Рафаэль, ок. 1504 г.
Юдифь, фрагмент
Джорджоне, ок. 1504 г.
Скорчившийся мальчик
Микеланджело, 1530-1534 гг.
Бегство в Египет
Тициан, ок. 1508 г.
Даная
Тициан, 1553-1554 гг.
Лютнист
Караваджо, 1595 г.
Персей освобождает Андромеду
Рубенс, 1622 г.
Апостолы Петр и Павел
Эль Греко, ок. 1590 г.
Завтрак
Д. Веласкес, ок. 1617 г.
Мальчик с собакой
Э. Мурильо, 1655 г.
Отрочество Богоматери
Ф. де Сурбаран, 1658-1660 гг.
Портрет актрисы Антонии Сарате
Ф. де Гойя, 1811 г.
Автопортрет
А. ван Дейк, ок. 1622-1623 гг.
Союз Земли и Воды
П. П. Рубенс, ок. 1618 г.
Портрет камеристки инфанты Изабеллы
П. П. Рубенс, 1623-1626 гг.
Автопортрет с родителями, братьями и сестрами
Я. Йорданс, ок. 1615 г.
Саския в образе Флоры
Рембрандт, 1634 г.
Святое семейство
Рембрандт, 1645 г.
Возвращение блудного сына
Рембрандт, ок. 1668 г.
Дама в голубом
Т. Гейнсборо, ок. 1770-80-х гг.
Амур развязывает пояс Венеры
Дж. Рейнолдс, 1788 г.
Портрет
С. Р. Воронцова
Т. Лоуренс, ок. 1805-1806 гг.
Танкред и Эрминия
Н. Пуссен, 1631 г.
Затруднительное предложение
А. Ватто, 1715-1716 гг.
Пигмалион и Галатея
Ф. Буше, 1760-е гг.
Поцелуй украдкой
Ж.-О. Фрагонар, 1787 г.
Молитва перед обедом
Ж.-Б. С. Шарден, 1744 г.
Балованное дитя
Ж.-Б. Грёз, 1760-е гг.
Дети с кроликом
П.-П. Прюдон, 1804-1814 гг.
Марокканец, седлающий коня
Э. Делакруа, 1855 г.
Девушка с веером
О. Ренуар, 1881 г.
Две танцовщицы
Э. Дега, 1898-1899 гг.
Белый дом ночью
В. Ван Гог, 1890 г.
Танец
А. Матисс, 1909-1910 гг.
Фонды ВГБИЛ располагают значительным количеством литературы, посвященной всемирно известному музею - его истории, архитектуре, шедеврам его коллекций.
Некоторые из этих книг представлены на выставке
Книги доступны для просмотра в библиотеке
Эрмитаж: история строитель-ства и архитектура зданий
Эрмитаж
Эрмитаж: история зданий и залов
Государственный Эрмитаж
Эрмитаж. Иллюстрированный путеводитель
Эрмитаж: искусство
Западной Европы
Эрмитаж. Западно-европейская живопись
Эрмитаж: история и современность
Эрмитаж в Прадо
Павильонный зал
Малого Эрмитажа
Малахитовый зал
Зимнего дворца
Т. Л. Пашкова
Лоджии Рафаэля в Эрмитаже
Георгиевский (Большой Тронный) зал Зимнего дворца
Т. Л. Пашкова
Государственный Эрмитаж. Западноевропейская живопись
Западноевропейская живопись в Эрмитаже
Западноевропейский
натюрморт из собрания Гоударственного Эрмитажа
Век Рубенса
Испанская живопись в Эрмитаже
И. А. Куреева
Живопись Франции XIX - начала XX века
Н. Е. Кроллау
Сны готики и Ренессанса
Т. К. Кустодиева
Коллекция Фарсетти
из музея Эрмитаж
Эрмитаж: путеводитель
по выставкам и залам
Ю. Г. Шапиро
Альбом императорского
Эрмитажа
Эрмитаж: путеводитель
по залам музея
Французский рисунок и живопись из Эрмитажа
Рисунки из собрания Государственного Эрмитажа
Ш.-Л. Клериссо
Зимний дворец Петра I,
Государственный Эрмитаж
Венецианская живопись XV-XVIII вв.
Музей Эрмитаж
Искусство Нидерландов
XV-XVI веков
Н. Н. Никулин
Свет Возрождения
Эрмитаж: живопись западной Европы
Французская живопись
XVIII в. в Эрмитаже
И. Немилова
Рембрандт. Мастер офорта
Леонардо да Винчи
"Мадонна с цветком"

Героические апофеозы Рубенса
Н. И. Грицай
Вослед Прометею: греческие терракоты в Эрмитаже
Е. Н. Ходза
Древний Египет в Эрмитаже.
Новые открытия
А. О. Большаков
Эрмитаж глазами эрмитаж-ника. Недавнее прошлое
Н. Ю. Бирюкова
Эрмитаж Ея Императорскаго Величества
Каталог выставки
Караваджо: одна картина, один аромат
Русский дипломат Александр Базилевский (1829 - 1899) в течение 40 лет собирал коллекцию западноевропейского и визан-тийского искусства, по преимуществу средневекового. Она была выставлена в галерее его дома в Париже и принесла коллекционеру всеевропейскую извест-ность. На время всемирной выставки 1878 г. Базилевский перевез лучшую часть собрания в один из павильонов выставки, чем произвел фурор среди парижской публики. В коллекции были прекрасно представлены памятники раннехристиан-ского и византийского искусства, церков-ная утварь романской и готической эпохи, изделия из резной кости XIII — XIV вв., рейнские и лиможские эмали XII — XVI вв., венецианское и немецкое стекло, итальян-
ская майолика, французские и испано-
мавританские фаянсы. В 1884 г. из-за

Коллекционер чудес. Эрмитаж Базилевского
Каталог выставки
материальных трудностей коллекционер решил расстаться со своим собранием. Париж с нетерпением ждал аукциона, который должен был стать крупнейшим событием сезона. Неожиданное приобретение этой коллекции русским правительством за 5,5 млн. франков произвело сенсацию. Это было одно из наиболее удачных приобретений, сделанных Эрмитажем за все время его истории.
В 30-е гг. XX в. некоторые особенно ценные его экспонаты покинули страну в результате так называемых "эрмитажных распродаж", производимых советской властью.
В 2013 г. в Турине состоялась выставка под названием "Коллекционер чудес", на которой были представлены экспонаты коллекции Базилевского из Эрмитажа - эмали, керамика, майолика, изделия из бронзы и слоновой кости и многое другое (всего около 80 предме-тов). Иллюстрированный каталог этой выставки включает также статьи историков искусства и искусствоведов об истории коллекции и ее экспонатах.
Эрмитаж Амстердам ( или Эрмитаж на Амстеле) является филиалом Государственного Эрмитажа.
Для поддержки в финансировании огромной коллекции Эрмитажа в Санкт-Петербурге были открыты несколько подразделений в других странах. После Лондона и Лас-Вегаса выбор пал на Амстердам. Официальное открытие филиала королевой Беатрикс и президентом России
Д. Медведевым состоялось 19 июня 2009 г. Выставочный центр располагается в исторической части Амстердама на берегу реки Амстел в старинном здании "Амстелхоф"; здесь выставляются экспонаты из запасников санкт-петербургского Эрмитажа.

При русском дворе: дворец и протокол в XIX в. Каталог выставки
Филиал дает возможность прикоснуться к искусству, истории и культуре России в Европе. Выставочная деятельность за рубежом не только повышает престиж музея, но и обеспечивает ему финансовую поддержку: часть вырученных средств поступает в Петербург.
Каталоги выставок, проходивших в Эрмитаже на Амстеле, кроме многочисленных иллюстраций, содержат также статьи об истории коллекций музея и отдельных произведений живописи и экспонатов.



Рубенс, ван Дейк и Йорданс: фламандские художники в Эрмитаже.
Каталог выставки

Знаменитые музеи мира
Музей искусств Метрополитен
Нью-Йорк, США
Метрополитен-музей - один из самых крупных и посещаемых художественных музеев мира. Здесь собраны предметы искусства со всей планеты, а исторический период охватывает время от каменного века до наших дней. Благодаря уникальным интерьерам выставочных пространств, в Метрополитен-музее создана особая атмосфера, которая погружает посетителей в ту или иную эпоху, а осмотр экспонатов превращается
в увлекательное путешествие во времени.
Музей существует на средства спонсоров и меценатов при небольшой государственной поддержке. Ежегодно Метрополитен посещают более 5 млн человек.
История музея
13 апреля 1870 г. группой американских художников, филантропов, коллекционеров и бизнесменов был подписан акт о создании Метрополитен-музея и юридически зарегистрирована корпорация под названием
"The Metropolitan Museum of Art".
С 1880 г. музей занимает свое нынешнее здание на 5-ой авеню, возле центрального парка. В 1888 и 1894 гг. к нему пристроили пристроили два крыла - южное и северное, а после пригласили знаменитого архитектора Ричарда Ханта, который спроектировал новый фасад музея и огромный центральный зал с парадной лестницей. Проект Ханта был
осуществлен к 1902 году. В последующие годы работы по перестройке здания проводились неоднократно, поэтому за первоначальным неоклассическим фаса-дом музея Метрополитен скрываются постройки разных лет, которые соединя-ются между собой всевозможными перехо-дами и лестницами. В начале 80-х все здания музея объединили под огромной стеклянной галереей-оранжереей.
В настоящее время Метрополитен-музей занимает площадь в 18 га. В его павильо-нах представлены картины, скульптуры и

Метрополитен-музей
Современное фото
другие художественные экспонаты со всего мира. Главная особенность - выставляются они в интерьерах тех стран, где были созданы. Например, в музее есть настоящий фран-цузский дворик, в котором воссоздан фасад традиционного французского особняка. Целая вереница помещений музея воспроизводит разные стили и эпохи: спальню эпохи рококо, парижский салон XVII в., барочное венецианское палаццо, гостиную английского эсквайра XIX в., комнату английских квакеров-переселенцев и так далее. Во всех интерьерах использованы подлинная мебель, стенная обивка, посуда и прочие предметы.
Коллекции музея
Постоянная коллекция музея содержит около 3 миллионов
экспонатов. В ней представлены: древнеегипетское и античное искусство; живопись, скульптура и декоративное искусство стран Европы и Америки; искусство стран Востока, Африки и Океании.
Первым экспонатом Метрополитен-музея стал древнеримский саркофаг III века до н. э., найденный в 1863 г. в городе Тарсусе (южная часть Турции) и подаренный музею американским вице-консулом А. Деббасом. Начало живописной коллекции положил один из первых вице-президентов музея У. Блодгет, который купил три большие коллекции западноевропейской живописи - всего 174 картины, среди которых были произведения Хальса, Ван Дейка, Тьеполо и Пуссена. На протяжении всего времени существования музея многие состоятельные люди дарили или завещали ему свои коллекции или отдельные произведения искусства: первый президент музея Дж. П. Морган, генерал Чеснол, банкир Б. Альтман, вдова "сахарного магната" Л. Хавемейр, бизнесмен Р. Леман, наследница автомобильного магната Тельма Крайслер Фой, наследник косметической фирмы Л. Лаудер, Нельсон Рокфеллер и многие другие.
Музей владеет пятью из 36 дошедших до нашего времени картин Вермеера.
Метрополитен также является одним из крупнейших хранителей коллекции
импрессионизма и постимпрессионизма.
Коллекция предметов искусства древнего Востока превышает 7000 экспонатов. Она включает предметы шумерской, хеттской, сасанидской, ассирийской, вавилонской, эламской и других культур, а также большое число предметов бронзового века.
Собрание азиатского отдела музея содержит более 35 000 экспонатов и, возможно, является самым полным в США. В коллекции представлены все цивилизации Азии, а также все типы декоративного искусства — от живописи и ксилографии до скульптуры и художественного литья.

Экспозиция оружейного зала
Современное фото
Один из самых обширных отделов музея посвящён оружию и доспехам различных времён и культур. Наиболее широко представлены предметы европейского Средневековья и Японии V—XIX вв. Есть также оружие и доспехи из Древнего Египта, Греции, Рима, стран Ближнего Востока, Африки, Океании, Северной и Южной Америки, а также коллекция американского огнестрельного оружия XIX—XX вв. Объём коллекции - около
14 тысяч предметов; среди них много вещей, которыми пользовались особы королевской крови, например доспехи английского короля Генриха VIII, француз-ского короля Генриха II и императора Фердинанда I.
Одна из значимых частей экспозиции музея - Институт костюма, организованный в 1937 г. богатой наследницей А. Левисон и дизайнером костюмов Э. Бернстайн.
В 1960 г. он стал частью музея Метрополи-тен. В настоящее время его коллекция составляет более 35 000 костюмов и аксессуаров. Ввиду хрупкости экспонатов постоянная экспозиция отсутствует. Вместо этого Институт дважды в год устраивает тематические выставки в галереях Метрополитен-музея.
С 1946 г. Институт костюма является также организатором ежегодного шоу "Мет Гала", которое представляет собой уникальное и крайне популярное явление в мире моды.
С 2014 г. комплекс Института костюма носит имя председателя "Мет Гала", главного редактора американского Vogue Анны Винтур.

Экспозиция выставки Института моды
Современное фото
Шедевры Метрополитен-музея
Портрет мужчины и женщины у окна
Ф. Липпи, 1440 г.
Портрет Франческо Сассетти с сыном Теодоро
Д. Гирландайо, ок. 1488 г.
Мадонна с младенцем и святой Анной
А. Дюрер, 1519 г.
Сцены из жизни св. Зиновия, фрагмент
С. Боттичелли, 1500-е гг.
Музыканты
Караваджо, 1595 г.
Венера и Марс, связанные Амуром
П. Веронезе, 1570-е гг.
Вид Толедо
Эль Греко, 1600 г.
Портрет Хуана
де Парехи
Д. Веласкес, ок. 1650 г.
Аристотель
с бюстом Гомера
Рембрандт, 1653 г.
Флора
Рембрандт, ок. 1654 г.
Портрет инфанты Марии Терезы
Д. Веласкес, 1651-1654 гг.
Молодая женщина
с кувшином воды
Я. Вермеер, 1660-1662 гг.
Мыльные пузыри
Ж.-Б. Шарден, ок. 1733-1734 гг.
Аллегория планет
и континентов
Дж. Тьеполо, 1752 г.
Мадам Гранд
Э. Виже-Лебрен, 1783 г.
Полковник гвардейских гренадеров
Дж. Куссмахер
Дж. Рейнолдс, 1782 г.
Портрет мисс Сперроу
Т. Гейнсборо, 1770 г.
Махи на балконе
Ф. Гойя, 1810-1815 гг.
Собор в Солсбери, фрагмент
Дж. Констебл, ок. 1820-1830 гг.
Леди Мария Конингем
Т. Лоуренс, ок. 1824-1825 гг.
Ярмарка лошадей, фрагмент
Р. Бонёр, 1852 г.
Деревенские барышни
Г. Курбе, 1852 г.
Испанский гитарист
Э. Мане, 1860 г.
Портрет мадам Икс
Дж. Сарджент, 1884 г.
Мы молимся тебе, Мария
П. Гоген, 1891 г.
Кипарисы
В. ван Гог, 1889 г.
Руанский собор, портал (солнце)
К. Моне, 1894 г.
Улица Эписери, Руан
К. Писсарро, 1898 г.
Игроки в карты
П. Сезанн, 1890-1892 гг.
Сентябрьское утро
П. Э. Шабас, 1912 г.
О Метрополитен-музее
и шедеврах его коллекций читайте
в книгах из фондов ВГБИЛ
Книги доступны для просмотра в библиотеке
Музей искусств Метрополитен
Альбом
Коммерсанты и шедевры: история музея искусств Метрополитен
К. Томкинс
За кулисами музея искусств Метрополитен
Данцигер Д.
Музей искусств
Метрополитен,
Соединенные Штаты Америки
Альбом
Американская скульптура в музее искусств Метрополитен
Путеводитель по музею искусств Метрополитен
Американские музыкальные инструменты в музее искусств Метрополитен
Л. Либин
Известные итальянские рисунки коллекции Лемана
в музее Метрополитен
в Нью-Йорке
аа
Французская живопись XIX в.
Музей Метрополитен,
Нью-Йорк
Альбом репродукций
Художественный музей Метрополитен
К. И. Панас
Музей Метрополитен.
Нью-Йорк
Сингаевский В. Н.

Американское крыло. Музей искусств Метрополитен
М. Б. Дэвидсон, Э. Стиллинджер

В музее Метрополитен собрана самая значительная в США коллекция американской живописи, скульптуры и декоративно-прикладного искусства. Авторы иллюстрированного издания - куратор американского крыла Метрополитен-музея Маршалл Дэвидсон и Элизабет Стиллинджер, искусствовед, специалист в области североамерикан-ского декоративного искусства. В книге, которая была издана в 1985 г., впервые сокровища этой коллекции представлены наиболее полно. Иллюстрации сопровождаются пояснительным текстом, содержащим исторические и искусство-ведческие комментарии, которые форми-руют общую панораму американского искусства от его истоков до конца XX в.
Автор книги - русскоязычная американка, психолог и психотерапевт. К написанию книги о музее Метрополитен Анну Крайн подтолкнул случай из ее жизни: во время посещения музея она встретила знакомую семейную пару с маленьким сыном, кото-рому было явно скучно среди прославлен-ных шедевров. Анна предложила мальчику вместе прогуляться по залам музея, постаравшись превратить скучную экскурсию в увлекательное путешествие. Так родилась идея написать книгу, предна-значенную специально для детей и их родителей. Эта книга - своеобразная семейная экскурсия по Метрополитен, которая разнообразит общение родителей с детьми разного возраста необычным приключением – совместным знакомством с искусством. Книга уникальна еще и тем, что все иллюстрации в ней - не фото музейных экспонатов, а рисунки самих посетителей музея - детей и взрослых.

Волшебные истории музея Метрополитен
А. Крайн